Voici "Après Guerre", la face B du single d'Avant Post.
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Avant Post
Voici Avant Post, un groupe "New-wave"/"Synthe Pop" sans doute originaire d'Aix-en-Provence (ou de sa région : Marseille ?) qui n'a sorti qu'un seul single sur un tout petit label du coin. Pas ou peu d'infos sur cette formation ou ce single sorti en 1984 si ce n'est la présence d'un violoniste (Nicolas Zaroff) qui jouera plus tard pour Leda Atomica ! Il faudrait que je demande à mes copains, ex-Seaton, si ils connaissent ou en ont entendu parler !
The Poles
Formé à Brisbane en 1978, The Poles fait partie de cette génération de groupes australiens post-Saints, qui injectent dans leur musique une sensibilité plus mélodique, moins brutale, mais tout aussi intègre. Ils s’inscrivent dans le sillage de la scène indépendante naissante, à mi-chemin entre punk, pop nerveuse et ce que certains appelaient à l’époque un « son moderne ». Après quelques années d'activité locale, le groupe quitte Brisbane pour s’installer à Sydney en novembre 1979. Sur place, ils partagent l’affiche avec les Laughing Clowns au Metropole ou encore les Sunnyboys, et s'imposent rapidement comme un groupe live à ne pas rater !
En 1981, ils sortent leur unique disque, un 45 tours autoproduit contenant deux titres : Over And Beyond And Through en face A et Ha Ha Ha en face B. Le single est enregistré aux Basilisk Studios par Martin Bishop, et tiré à environ 500 exemplaires. Les pochettes sont sérigraphiées à la main, ce qui en fait aujourd’hui un objet aussi rare que précieux. Malgré sa diffusion limitée, ce disque laisse une empreinte durable. En 2005, la face A est d’ailleurs rééditée sur la compilation Inner City Sound – Australian Punk and Post Punk, sortie sur le label Laughing Outlaw, en parallèle de la nouvelle édition du livre culte de Clinton Walker.
The Poles se sépare en 1982, sans avoir enregistré d’autres morceaux. Leurs membres poursuivent ensuite des trajectoires variées : Dave Tyrer joue brièvement avec The Go-Betweens, à l’époque où le groupe expérimente le synthé-guitare Roland. Joe Borkowski devient photographe, notamment pour les Saints, avant de rejoindre Out of Nowhere, puis de collaborer avec The Apartments et Died Pretty. Mick Tate, quant à lui, se reconvertit dans le dessin et devient "cartooniste" freelance à Sydney.
Un seul disque, donc, mais qui résume assez bien l’effervescence discrète d’une scène indépendante australienne en pleine réinvention. Une rareté qui mérite d’être réécoutée. Voici la face A de ce magnifique single !
The Chameleons à l'Eldorado !
Si il est un groupe que tous les bouloupiens ont écouté, c'est bien The Chameleons. Cette formation est, depuis, devenue "mythique"... Avec un M majuscule. Les Chaméléons avaient une forme de grâce et le sens des mélodies qui tuent. D'après Wikipedia : "The Chameleons est un groupe de post-punk britannique, originaire de Middleton, dans le Grand Manchester, en Angleterre. Le groupe se composait du chanteur et bassiste Mark Burgess, du guitariste Reg Smithies, du guitariste Dave Fielding, et du batteur John Lever. Le groupe se sépare une première fois en 1987, après trois albums, à la mort de leur manager Tony Fletcher, avant de se reformer en 2000. Ils enregistrent alors trois autres albums (deux unplugged, et une version studio), réalise une tournée, puis The Chameleons se séparent à nouveau. Le batteur John Lever meurt en mars 2017." Le 31 Mai 1985, les bouloupiens sont tous à l'Eldorado pour voir leur groupe fétiche. Ici, la setlist du concert. 4 jours avant, les Chameleons ont joué à Lyon. Voici un extrait de ce concert, à défaut d'avoir retrouvé leur concert parisien !
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The dB's
Parmi les groupes américains injustement restés dans l’ombre du grand public, The dB's méritent une mention spéciale. Formé à la toute fin des années 70, le groupe est originaire de Winston-Salem, en Caroline du Nord, mais s’est rapidement installé à New York, où il a trouvé sa place dans une scène alors en pleine effervescence. The dB's, prononcé "The Dee-Bees", pratique une pop nerveuse et mélodique, à la croisée des chemins entre la jangle pop, le post-punk naissant et un goût certain pour les bizarreries sonores.
À l’origine du groupe, on retrouve Chris Stamey et Peter Holsapple, deux compositeurs de talent qui se partagent l’écriture des morceaux. Les rejoignent Will Rigby à la batterie et Gene Holder à la basse. Stamey, qui avait auparavant joué avec Alex Chilton (Big Star), apporte une touche plus expérimentale, là où Holsapple incarne une sensibilité plus classique, presque Beatlesienne. Ce tiraillement entre pop bien construite et éclats avant-gardistes donne au groupe sa saveur particulière, surtout sur les deux premiers albums.
Le premier, Stands for deciBels, sort en 1981. Il contient le très efficace "Black and White", sans doute leur morceau le plus connu, et donne immédiatement le ton : des chansons accrocheuses mais tordues, aux arrangements fouillés et aux mélodies entêtantes. L’année suivante, Repercussion confirme le talent du groupe. C’est le dernier album avec Chris Stamey, qui quitte ensuite l’aventure. Le son s’affine, gagne en clarté, et laisse entrevoir ce que serait le groupe sans sa composante expérimentale.
Ce sera chose faite en 1984 avec Like This, album sur lequel Holsapple prend les rênes et recentre le propos vers une pop plus directe, plus accessible. Moins aventureux que les précédents, il n’en reste pas moins excellent, porté par une écriture solide et une production plus radio-friendly. The Sound of Music, paru en 1987, poursuit dans cette veine, mais marque aussi la fin de leur première période d’activité.
En 2012, contre toute attente, les quatre membres originaux se retrouvent pour enregistrer un nouvel album, Falling Off the Sky. Sans révolutionner quoi que ce soit, le disque sonne comme une lettre d’amour à leur passé musical, fidèle à ce son power pop à l’américaine qui a toujours été le leur.
The dB's ont beau ne jamais avoir rencontré un grand succès commercial, leur influence sur la scène américaine est indéniable. Ils sont souvent cités par des groupes comme R.E.M. ou The Replacements, et Peter Holsapple rejoindra d’ailleurs R.E.M. sur scène dans les années 90 en tant que musicien additionnel.
Nous sommes au Ritz à New-York, le 2 Octobre 1987 et le groupe s'attaque à un standard d'Elvis !
Los Monaguillosh
Madrid, début des années 80. Tandis que la Movida explose dans les rues, multicolore et débridée, un petit groupe choisit une autre voie, plus sombre, plus dense. Ils s'appellent Los Monaguillosh – ce qui signifie, en français, « les enfants de chœur », une image assez ironique vu la noirceur de leur univers. Formé à la fin des années 70, le groupe commence dans une veine mod revival, un peu à la manière de Los Elegantes ou de Los Flequillos, figures déjà connues à Madrid.
Mais rapidement, leur son s’obscurcit. Aux influences mod s’ajoutent des atmosphères plus pesantes, des guitares réverbérées, une basse très en avant et un goût pour l’étrange. À la formation de base – Jaime Munárriz à la basse, Pablo Martín Patino au chant et à la guitare, Juan Andrés Castro à la batterie – viennent s’ajouter Susana Millaruelo (chant), Beatriz Alonso (claviers), Amador Luque (guitare) et enfin Ricardo Moreno (batterie), qui rejoindra plus tard Los Ronaldos.
En 1983, le groupe enregistre un EP trois titres sur le label indépendant Dos Rombos. Intitulé Voces en la jungla, il contient aussi Bocas sobre una araña et De Madam. Le disque est aussi étrange qu’envoûtant, traversé de motifs sinistres et de textes cryptiques. Peu de temps après, ils sortent un second 45 tours autoproduit, Prisma de ágatas / Ciclos, puis plus rien. Pas d’album, pas de carrière longue, mais une poignée de chansons qui vont marquer durablement la scène underground espagnole. Los Monaguillosh se produisent à Rock-Ola, participent à des émissions comme La Edad de Oro ou Caja de Ritmos, mais restent un phénomène marginal.
Le groupe se sépare en 1984, laissant derrière lui un sillage de fans fascinés. Des enregistrements live, des sessions radio et quelques inédits circulent depuis sous le manteau : Luces humanas, Náuseas de amor, Enigma... Jaime Munárriz s’orientera vers des projets plus expérimentaux comme Destroy Mercedes et même vers la production hip-hop dans les années 90. Si leur discographie tient en deux disques, leur empreinte, elle, reste. Voces en la jungla, notamment, est devenu un classique du post-punk espagnol : une ligne de basse entêtante, un chant spectral, un morceau suspendu dans un espace-temps où se mêlent anxiété et poésie. Aujourd’hui encore, Los Monaguillosh comptent parmi les groupes les plus mystérieux – et les plus fascinants – de l’Espagne noire des années 80. Peu documentés, mais jamais oubliés. Voici un premier extrait de ce "classique"...
Les Closh
En 1981, au beau milieu de l'effervescence post-punk et de la mode des BD rock, surgit un drôle de groupe nommé Les Closh. Difficile de faire plus parodique : nom évident clin d’œil aux Clash, look approximatif, et postures de rockeurs de banlieue un peu cramés. Derrière cette farce musicale et graphique, on retrouve deux figures incontournables de la BD française des années 80 : Dodo (Dominique Niccoli) au scénario et Ben Radis (Rémi Bernardi) au dessin.
Leur première apparition, c’est dans Métal Hurlant, haut lieu de la BD indépendante et expérimentale, où ils développent sur plusieurs planches les mésaventures burlesques de ce groupe fictif aux ambitions limitées et aux riffs discutables.
Mais Les Closh, ce ne sont pas seulement des planches à bulles : ils sortent aussi un vrai disque, un 45 tours chez Les Humanoïdes Associés, avec en face A : "Toutes ces filles".
Un tube ? Pas vraiment. De la variété rock dans la lignée du Denis' Twist qui a cartonné quelques années avant et dans lequel Dodo et Ben Radis ont déjà œuvré. Le titre balance entre rock à la française et second degré assumé. Une ligne de basse sautillante, des chœurs idiots, une guitare hachée. Le tout baignant dans une ambiance de fausse drague et de vraie loose : “toutes ces filles… qui veulent pas de moi.”
"Toutes ces filles", c’est Les Closh résumés en trois minutes : un mix de rock de garage en carton-pâte et de chronique sociale rigolote, à l’image de la BD dont il est le prolongement sonore. On sent que Dodo et Ben Radis ne prennent rien au sérieux – et surtout pas eux-mêmes – mais qu’ils savent parfaitement capter un certain esprit d’époque : une jeunesse un peu paumée, gavée de rock et de slogans, qui rêve de scène et finit au bistrot.
Le disque, aujourd’hui presque oublié, se trouve parfois sur Discogs ou dans les bacs des disquaires spécialisés. Un bel objet pour collectionneur, avec une pochette évidemment illustrée par Ben Radis lui-même. Les Closh poursuivront leurs aventures sur papier jusqu’en 1993, avec six albums au total, dont le génial "Les Closh au flop 50" (1989). Mais pour les amateurs de crossover BD-musique un peu déglingué, "Toutes ces filles" reste un artefact parfait de cette époque où un groupe pouvait exister à la fois en vinyle et en cases.
Stalag
En direct de Bordeaux, voici Stalag fondé en 1979. Proche des fameux Strychnine (dont j'ai déjà parlé ici-même), Stalag tournera beaucoup pendant 4 ans (plus d'une centaine de concerts) avant de se séparer. Ils laissent un single autoproduit publié en 1981 et plusieurs compilations post-mortem regroupant l'ensemble de leurs enregistrements. Ils se reforment en 2005 pour un mémorable concert. Voici la face A de leur single sorti en 1981.
Alain Kan
Voici Alain Kan figure trouble et légendaire de l'underground parisien. Il commence comme chanteur de variété dans les années 60 (3 ou 4 singles chez PAT) puis travaille dans la revue de l'Alcazar dans les années 70. Il sort un paquet de 45 tours avant de tourner Glam Rock et sort le long "Heureusement, En France On Ne Se Drogue Pas" qui fait plutôt scandale. Il devient punk en 1977 grâce à son groupe Gazoline avec lequel il sortira 2 singles. Il semblerait que l'inoxydable Fred Chichin est également participé à cette aventure. Sous le nom D'Alain Z Kan, il sort " Whatever Happened to Alain Z. Kan". Son dernier album "Parfums de nuit" (réalisé avec la crème des musiciens de l'époque) sortira chez New Rose. Il écrira également quelques chansons pour le chanteur Christophe dont il est le beau-frère. Personnage sulfureux, il enchaine les provocations, certaines de ses chansons sont interdites d'antenne. Beaucoup de drogue aussi. Le 14 Avril 1990, il prend le métro à la station Châtelet. On ne le reverra plus. Suicide, assassinat ? Sa fin est un véritable mystère qui entretient une certaine aura autour du personnage. Pour ma part, je ne suis pas un très grand fan de sa musique qui n'est pas sans me rappeler Ange et d'autres groupes typiquement seventies. Mis à part, peut-être, son adaptation de Bowie et ses singles punks... Mais, mon ami Edouard le vénère et possède dans sa discothèque les originaux de chacun de ses albums. Ce post lui est dédié. Voici une rareté live d'Alain Kan !
David Rosane ne sera jamais une Pop star !
Il m’est difficile de parler objectivement de David Rosane
et de sa musique. David, je le suis depuis presque trente ans. Et quand
j’emploie le verbe suivre, verbe transitif direct du 3e groupe, c’est
un choix particulièrement réfléchi. Parce que je l’aime, j’ai décidé de
« suivre » David, mon aventurier préféré, dans toutes ses péripéties,
conquêtes et expéditions. Le verbe suivre désignant ici le fait
d’approuver et de soutenir quelqu’un dans son action. J’avoue
honteusement et par comparaison, ma peur de la prise de risque et mon
conformisme petit bourgeois typiquement parisien.
Américain d’origine, il a préféré la Vie (avec un v majuscule) à
l’inertie académique, il s’est donc construit (et éduqué) sur le
terrain, à la rencontre de ses passions. Il est devenu cet homme d’une
incroyable complexité. David Rosane est (entre autres)
journaliste, écrivain, agriculteur, ambassadeur, cuisinier,
universitaire, formateur, ornithologue… Mais aussi activiste et
musicien. Il est donc difficile de le résumer. Chacune de ses facettes
forment un tout, multiple et passionnant, qui lui permet, au final,
d’écrire et d’interpréter de très belles chansons accessibles au plus
grand nombre… Paradoxalement pour notre plaisir personnel et égoïste. Le
Book of Zoo en est la vivante démonstration. Au final,
même si ce n’est que de la musique, celle de David fait partie
intégralement de ce qu’il est, elle n’est donc pas à prendre à la
légère.
Notons qu’aimer David n’est pas qu’un suivi, c’est aussi un combat.
Il faut savoir lui répondre lors de débats endiablés et argumenter si
possible intelligemment (malheureusement, souvent en anglais). Je
reconnais mes limites quant au Disputatio qu’il pratique avec maestria.
Je ne fais pas le poids. Il faut aussi désamorcer ses défenses
naturelles et passer pardessus sa timidité (qui peut être prise pour de
l’arrogance). Mais c’est juste une vague similitude car, dépassé tous
ces obstacles, il nous reste le David, mélange d’intelligence, de
gentillesse, d’écoute et de générosité. Cette générosité je l’ai
retrouvé aussi à l’écoute de ce « Livre du Zoo ».
Au départ, nous avions tous rêvé pour lui d’une réussite musicale
proche de l’image d’Épinal. Nous, j’entends son fan club. Moi surtout,
quand, il y a 10 ans, je lui ai demandé de reprendre sa guitare (cette
incitation est aujourd’hui ma fierté). Top 50, coke et groupies, pognon,
sexe et gros seins, passage à Taratata en duo avec Julien Doré et pour
finir la couverture de Rock & folk. Mais c’est sans compter sur ce
qu’il l’anime vraiment, l’intime nécessité de communiquer et de faire
« gagner » ses idées. Car David est un homme qui choisit sa voie et ses
combats. Personne ne décide à sa place, il en va de même avec sa
musique. Une fois encore, David est un activiste. David se bat pour ses
idées et s’en est presque fatiguant tant son énergie demeure constante
et intacte au fil du temps. Croire dans le possible des révolutions est,
chez lui, le symptôme d’un optimisme inattendu à l’écoute de ses
chansons les plus tristes. David est un vrai optimiste qui trouvera un
moyen de sauver ce que nous sommes et ce qui nous entoure : la Terre, le
règne Animal, la Nature et les Éléments et plus généralement notre
humanité. Une autre qualité que j’admire (aussi) chez lui et que l’on
retrouve aussi dans ses chansons. Cette ambition sans limite est
magnifiquement impossible. Moi, je me bats plus volontiers pour le juste
remboursement de mes notes de frais en fin de mois.
Non, David ne sera jamais une pop star. Une
fois cette absence de folklore rock and roll acceptée et dépassée, il
me reste ce nouvel album et les messages qu’il nous transmet. En tant
que français de souche, il m’est parfois difficile de rentrer dans les
nuances de ses mots en anglais. Souvent, une explication de texte
s’impose. Cet assemblage de 14 chansons ne déroge pas à cette vieille
habitude car il est constitué d’une multitude de nuances qu’il me faudra
décrypter pour me rapprocher un peu plus du cœur de sa compréhension.
Pour ce 9e album, j’ai cependant l’impression que son vocabulaire s’est
simplifié sans perdre de sa complexité polysémique, un terme savant qui
fait bien et que je sors de temps en temps.
Chaque nouvelle chanson de David participe à un ensemble bien plus
vaste (j’ai presque envie de parler d’un « corpus » pour faire à la
façon d’un critique musicale aux Inrockuptibles) qui nous apparaîtra
comme un tout, bien au-delà de ce Book of Zoo… Si nous
tenons jusque-là, à la fin de l’Histoire. A n’en pas douter, David
construit une œuvre et le Temps nous en fera la démonstration. J’espère
simplement la partager (cette œuvre), dès aujourd’hui, avec le plus
grand nombre. Car David mérite d’être écouté et plutôt de son vivant, si
possible.
Dans le Book of Zoo, sa dernière aventure musicale,
David a laissé de côté ses vieux démons alternatifs (forcément datés)
pour se concentrer sur ce qui me touche et semble être l’essentiel : ses
chansons. Le reste, en vérité, on n’en a rien à branler. Ces 14 titres
pourront être joués au ukulélé ou par un orchestre symphonique. Elles
garderont leur intégrité et leur beauté. Voici donc 14 morceaux en
anglais, enregistrés aux USA, là d’où il vient (aussi). Même si par bien
des côtés, David est le plus français de tous nos résidents américains.
Je le sais parce que je l’ai vu refaire le Monde à grands coups de
ballons de rouge, accroché au comptoir d’un café, empruntant
parfaitement l’accent parisien.
Une instrumentation claire et précise, des guitares qui ne se cachent
pas derrière de la distorsion, une voix simple et chaude mise en avant.
Un timbre particulier que je reconnaîtrai entre 1000. Et surtout ses
mélodies. Celles qui me font remercier de compter David parmi mes amis.
Celles que je fais écouter – en soirée - en soulignant mon lien de
parenté avec cet étrange leader des Zookeepers qui me
parle en anglais mais à qui je réponds en français. Car, oui, David est
mon filleul et même si nous ne croyons pas vraiment en Dieu en tant
qu’entité barbue et bienveillante, nous savons tous les deux que ce que
nous avons créé nous survivra. C’est là le seul vrai miracle chrétien.
Survivront donc, nos enfants, ces chansons, quelques mots bien choisis
et peut-être un bout de nos rêves passés, présents et futurs.
D’ailleurs, «Dans les mots des chansons (…) Je te survivrai » a prédit Didier Barbelivien dans le fameux « Je te survivrai » interprétée par Jean-Pierre François.
Dès la première écoute, certains titres se sont spontanément alignés
avec mes goûts et ma grammaire musicale : réverb des grands espaces,
chœurs de filles qui réveillent la libido, arpèges pop, arrangements
légèrement datés, voix tremblante et émue de celui qui intériorise quand
il chante. Alors, par facilité, j’aurais pu citer 2 ou 3 références
musicales universelles, pour contextualiser ce nouvel album des
Zookeepers et provoquer plus rapidement l’adhésion. J’ai d’abord pensé à
Dion DiMucci (période Folk Blues) ou même à Richie Havens (sur son
premier album « Mixed bags »), mais les deux sont franchement loin.
Finalement, rien ni personne ne me vient à l’esprit. Ce dernier disque
ressemble donc à un très bon disque de David Rosane & les Zookeepers.
Notons, au passage, une petite particularité de la tracklist du Book of Zoo,
certaines de ces nouvelles chansons nécessitent de vivre avec. Ce sont
d’ailleurs celles-ci qui sont en train de me changer. Car toutes les
bonnes chansons me transforment et redéfinissent le monde qui m’entoure.
C’est comme ça que je sais qu’elles sont bonnes. Seuls regrets mais qui
n’engagent que moi, une joliesse et une sophistication sonore, à mon
sens, inutile. En vérité, je rêve toujours d’un David planté derrière le
micro tête de mort (un Shure 5575 LE) des studios Sun à Memphis. Le
linoleum sous ses Palladium, debout dans ces 20 mètres carrés quasi vide
et désaffectés. L’ombre des « grands » du blues et du rockabilly lui
donnerait un relief total : l’authenticité fondatrice des pionniers. Je
rêve d’un David sans son sempiternel galurin (qui a tendance à lui faire
de l’ombre), direct et brut de décoffrage. C’est peut-être la naissance
d’un nouveau projet de crowdfounding ou d’une pétition en ligne,
contestation oblige. Rien n’est perdu à ce niveau et peut-être qu’un
jour…
Dans cet album, David s’imagine cow-boy sur le retour et se pose les
questions de ceux qui font le bilan : « WTF (went wong) ? ». A quel
moment ça a merdé ? Il se promène parfois dans cette ville polluée mais
qu’on aime quand même. Il redevient cet enfant qu’il n’a jamais cessé
d’être, cet amoureux professionnel qui n’a de cesse de retomber
(amoureux), cet homme qui préfère en finir, cet autre homme qui se bat
au quotidien et qui redoute le jugement divin. Cet homme, aussi, touché
par la Beauté et la complexité de l’Univers et qui de ce fait ne peut
que croire en Dieu ! Car comme disait Einstein : « Dieu ne joue pas aux
dés ». Bref, David (dans ses chansons) est un peu schizophrène et nous
dévoile des bouts de son intimité et de ses paysages intérieurs, de ses
angoisses, de sa complexité, de sa poésie et de ses rêves. Plein
d’autres choses encore, des nuances que je vous laisse découvrir par
vous-même - pour peu que ce long texte vous en ait donné l’envie - et
que vous soyez parvenu jusqu’à cette conclusion en forme de prédiction :
Vous lirez dans le « Book of Zoo » comme dans un livre ouvert car cet album de DavId Rosane et les Zookeepers est un très bon livre, beau et accessible à tous. Il suffit de l'écouter pour l'entendre.
Boulogne, Mai 2018
PS : Vous pourrez écouter et acheter en précommande « Book Of Zoo » de David Rosane & The Zookeepers ici-même. Tous les bénéfices seront reversés au profit des bibliothèques publiques du Vermont. David et ses Zookeepers,
pour soutenir activement cet accès au savoir par le plus grand nombre,
seront en tournée tout l’été dans ces dites bibliothèques. Si le sujet
vous intéresse et si vous passez par le Vermont, vous trouverez, sur
leur profil Bandcamp, du groupe tous les détails !
OFFICIAL BIOGRAPHY of ZOO
The Zookeepers are a multinational collective of musical heavy
hitters in full flagrant creative collaboration with Post-Punk Power and
Protest rocker David Rosane, who also has a gentle side. Dave used to
work as a full-time native american activist and field biologist in
South America. Core Zookeepers are Bradford, Vermont-based Indie
Jazz-wave duo Don Sinclair and Jennifer Grossi, both community activists
and music teachers by day.
Zookeeper music might be best described as INDEPENDENT folk rock with
a post-punk Americana bent, particles of Goth & a glaze of Pop.
Influences include, off the cuff, Joy Division, Echo and the Bunnymen,
Bob Mould, ABBA, Neil Diamond, Jazz stuff that Don listens to, The
Velvet Underground, The Doors, Nick Cave, almost anything from Mo-Town,
The Gun Club, Neil Young, the Boss and yes, even the Rolling fucking
Stones.
CONTACT: DavidRosane@gmail.com
*This is Dave's 9th album as a singer-songwriter/band member:
Previous work:
Milk & Alcohol - as Stereo Child (reissue forthcoming)
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Photo Fabrice Plas
Ohlala (2) !
Avant de s'appeler Nouveaux Monstres, nous avions sérieusement pensé nous appeler Ohlala ! Le groupe post Ici-Paris de Marie A. (Houlala) nous en a dissuadé. Au début de ce blog, j'avais déjà publié ce visuel "préparatoire". Par contre, je n'avais pas ajouté le verso qui vaut son pesant de cacahuètes. On appréciera, notamment, les faux visuels de single "déjà parus".
BAD
Les bouloupiens ont adoré les Clash. Un groupe fondateur, musicalement et visuellement intelligent. Leur séparation a un laissé un grand vide en partie comblé par Big Audio Dynamite, la formation de Mick Jones post Clash. BAD était dans son époque : dansante, samplée et n'hésitant pas à emprunter au dancehall made in Jamaica, à l'électro ou au rap. Quand on reparlera de l'ambiance du début des 90's, on n'hésitera pas à mettre en avant cette formation admirable, mixant comme personne rock et musique pour danser. Je n'ai pas eu l'occasion de les voir à l'époque et il m'a fallu une reformation tardive pour apprécier en live toute la beauté de ce groupe qui aimait s'habiller en blanc. Voici un de leur tube live en 1988 à Bradford en Angleterre.
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