Voici l'autre face du single des Amants De Lune sorti en 1986 !
Week-end's Zaz
Voici, l'autre face du single des Magistrats De Syracuse, soit "Week-end's Zaz". A l'écoute, difficile de dire qu'elle est la thématique de cette chanson à la rythmique ska !
Mr Webster
Nouvel extrait de l'album des Bonaparte's sorti en 1986, voici le très new-wave "Mr Webster".
Le 2e album de Dazibao
Ici, on pourra télécharger en Mp2 le 2e album de Dazibao "Les Musiques De La Honte" sorti en 1987.
L'autre face des Magistrats de Syracuse
Voici "Week-End's Zaz" l'autre face de l'unique single des Magistrats De Syracuse sorti en 1986 !
Les Amants De Lune
À Maubeuge, au milieu des années 1980, Les Amants de Lune semblent avoir choisi une voie assez éloignée des clichés du rock régional. Formé de musiciens de la région, le groupe développe une musique où les synthétiseurs occupent une place importante, au croisement de la new wave, de l'électronique et d'une certaine forme de musique expérimentale. Une formation aujourd'hui quasiment oubliée, mais dont deux 45 tours permettent encore de retrouver la trace.
La formation réunissait Béatrice Collet aux synthétiseurs et au violon, Frédérick Duterrage au chant, Alain Fichaux à la batterie, à la guitare et aux chœurs, Patrick Joly à la basse, Patrice Thioloy aux synthétiseurs et Bernard Makowka à la batterie. Cette association est déjà révélatrice d'un projet qui ne ressemble pas tout à fait à un groupe de rock traditionnel : deux batteurs, deux claviéristes, un violon, une basse, une guitare et une voix. Une architecture instrumentale qui laisse imaginer une musique aussi construite autour des textures et des atmosphères que du classique couplet-refrain.
Le personnage central semble être Patrice Thioloy. Aujourd'hui encore actif dans la création sonore, il se présente comme un artiste, compositeur et arrangeur issu des premières années de la musique électronique des années 1980. Il raconte avoir découvert très tôt les possibilités offertes par les synthétiseurs de l'époque et avoir travaillé sur des environnements sonores destinés notamment à des expositions. Il cite lui-même Les Amants de Lune parmi les projets qu'il a co-créés. Son parcours ultérieur, marqué par les créations radiophoniques, la poésie, le slam et les recherches autour du son, permet de mieux comprendre l'orientation particulière du groupe.
Les Amants de Lune apparaissent en tout cas sur deux 45 tours publiés par Modern Loft Studio. Le premier, référencé NUM 001, réunit « Blank » et « Life to Live ». Les deux titres sont attribués à Frédérick Duterrage pour les textes et à Patrice Thioloy pour la musique, « Life to Live » étant crédité aux deux pour les paroles et la musique. Les titres sont aujourd'hui généralement classés dans les registres synthpop et new wave, ce qui paraît assez cohérent avec les quelques traces sonores encore accessibles. « Blank » dure près de quatre minutes et « Life to Live » un peu plus de quatre minutes.
Le second 45 tours, probablement le plus intrigant, porte la référence NLS 002. Il propose « Le Clown triste » en face A et « Une fille étrange » en face B. Le disque est daté de 1986 et est présenté comme un extrait du spectacle Le cercle d'eau. Là encore, les paroles sont signées Frédérick Duterrage et la musique Patrice Thioloy.
Cette mention d'un spectacle est loin d'être anecdotique. Elle donne une autre dimension au projet des Amants de Lune. Il ne s'agissait manifestement pas seulement d'enregistrer des chansons dans l'air du temps. Le cercle d'eau semble avoir constitué un projet scénique dans lequel la musique trouvait sa place au sein d'un univers plus large. Faute d'archives suffisamment nombreuses, il est difficile aujourd'hui d'en décrire précisément la forme, mais le parcours de Thioloy et l'instrumentation du groupe permettent au moins de comprendre que les Amants de Lune travaillaient sur les notions d'atmosphère, de texte et de création sonore autant que sur le format pop.
Le choix du nom du groupe et les titres eux-mêmes vont d'ailleurs dans ce sens. « Le Clown triste » et « Une fille étrange » évoquent davantage un imaginaire poétique ou théâtral qu'une quelconque volonté de coller aux recettes du rock de l'époque. Et derrière les machines électroniques, on retrouve une musique qui semble chercher à créer des images. Des années plus tard, Thioloy décrira justement sa démarche comme une musique faite pour susciter des images, avec un goût pour les ambiances aériennes et oniriques, quelque part entre rock, new age et électro. Il serait évidemment imprudent de plaquer rétrospectivement cette définition sur les Amants de Lune, mais elle constitue une piste intéressante pour comprendre la démarche du musicien.
Frédérick Duterrage, lui, apparaît dans les archives consacrées aux musiciens du Nord sous les variantes Duterrage ou Duthérage, associé aux Amants de Lune comme chanteur. Cette présence dans une base consacrée aux musiciens du Nord et du Pas-de-Calais confirme également l'ancrage régional du groupe.
Ce qui frappe aujourd'hui, c'est surtout le peu de traces laissées par le groupe au regard de l'originalité du projet. Deux 45 tours, quelques documents conservés par des collectionneurs, des morceaux qui circulent encore sur des bases musicales et une poignée d'informations biographiques : les Amants de Lune semblent avoir disparu presque aussi vite qu'ils étaient apparus. Leur nom n'est pourtant pas totalement absent des archives de la scène musicale du Nord. Il reste associé à une période où les synthétiseurs devenaient accessibles à de jeunes musiciens et où la frontière entre rock, new wave, spectacle, poésie et expérimentation était particulièrement poreuse.
Il faudrait sans doute retrouver les programmes, affiches ou articles consacrés au Cercle d'eau pour savoir exactement ce que recouvrait ce projet et dans quels lieux il fut présenté. Les archives de la presse locale pourraient également permettre de reconstituer l'histoire du groupe et de comprendre ce qu'était Modern Loft Studio, dont les deux disques des Amants de Lune constituent aujourd'hui des témoignages particulièrement obscurs. Pour l'instant, leurs deux 45 tours suffisent néanmoins à faire émerger une curiosité : celle d'un groupe de Maubeuge qui, plutôt que de reproduire le rock de son époque, avait choisi les synthétiseurs, les atmosphères et la scène comme terrain d'expérimentation.
Près de quarante ans plus tard, « Le Clown triste » et « Une fille étrange » ressemblent ainsi à deux fragments échappés d'un spectacle dont il ne reste presque rien. C'est précisément ce qui rend Les Amants de Lune si intéressants à exhumer : derrière ces quelques sillons se dessine une histoire beaucoup plus vaste, celle d'une petite scène électronique régionale qui, loin des radars parisiens, cherchait elle aussi sa propre manière de faire entrer la new wave dans un autre monde.
Face À Face
Dernier extrait du mini album des Goulues sorti en 1987, voici le très dans son époque (grâce à un sax comme on les aimait) "Face À Face".
Les Magistrats De Cyracuse
En 1985, à Maubeuge, Éric Vernier, Bernard Applincourt et Jean-Marie Leroy forment Les Magistrats de Syracuse. Le premier est auteur-compositeur, le deuxième tient la batterie et le troisième joue du saxophone. Une formation atypique pour une scène française alors traversée par la new wave, le post-punk et la cold wave, et qui ne laissera derrière elle qu’un seul 45 tours.
Le disque paraît en 1986 sous la référence MdS 1926. Sur la face A, « Week End’s Zaz » et, au verso, « Genèse ». Les deux morceaux auraient été enregistrés en mars 1986 aux studios Modern Loft, avec Bruno Steiner au mixage. Le groupe disparaît peu après, laissant comme seule trace discographique ce petit 45 tours aujourd’hui particulièrement recherché.
C’est surtout « Genèse » qui mérite l’attention. Instrumental, sombre et planant, le morceau s’éloigne du format pop traditionnel pour installer une atmosphère froide et suspendue. Les sonorités, la tension et cette façon de laisser la musique se développer sans voix placent naturellement Les Magistrats de Syracuse dans le voisinage de la cold wave et de la minimal wave, même si ces catégories seront surtout utilisées bien plus tard pour redécouvrir ce type d’enregistrements.
À l’époque, le groupe reste confidentiel et sa courte existence ne lui permet évidemment pas de s’inscrire dans l’histoire officielle du rock français. Son unique 45 tours circule néanmoins parmi les amateurs de raretés, jusqu’à devenir l’un de ces disques que les collectionneurs recherchent sans toujours disposer de beaucoup d’informations sur ceux qui l’ont enregistré.
La situation change plusieurs décennies plus tard. La redécouverte internationale de la scène minimal wave et des productions françaises les plus obscures des années 80 remet progressivement Les Magistrats de Syracuse en circulation. En 2018, « Genèse » apparaît sur la compilation Playground Noises – 11 Lost Gems For The Night People 1980-1991 publiée par Geheimnis Records. Le morceau rejoint ainsi une sélection consacrée à ces formations oubliées dont certaines n’ont laissé qu’un disque ou quelques morceaux.
En France, une nouvelle étape est franchie en 2020 avec la présence de « Genèse » sur Des Jeunes Gens Mödernes – Volume 3, compilation consacrée aux marges de la scène post-punk, new wave et cold wave française. Le morceau se retrouve alors aux côtés de formations beaucoup plus documentées, mais aussi d’autres groupes dont l’histoire s’est résumée à quelques enregistrements confidentiels.
Les Magistrats de Syracuse appartiennent finalement à cette histoire parallèle du rock français des années 80 : celle des groupes qui n’ont pas eu le temps, les moyens ou peut-être simplement l’envie de construire une carrière. Un 45 tours, deux titres, une séparation en 1986 et presque tout reste à découvrir sur leurs auteurs. Quarante ans plus tard, « Genèse » conserve pourtant une étrange capacité à évoquer cette période, avec ses machines, ses expérimentations, ses climats nocturnes et cette volonté de faire autrement sans forcément chercher à entrer dans une case.
C’est aussi ce qui rend le disque intéressant aujourd’hui. Les Magistrats de Syracuse ne sont pas devenus un groupe culte parce qu’ils auraient connu le succès avant de sombrer dans l’oubli. Ils sont devenus cultes parce que leur musique a survécu à leur disparition et que quelques passionnés ont continué à chercher ces traces minuscules laissées par une scène française particulièrement fertile. Un seul 45 tours aura finalement suffi.
L'Antepenultième
Juste pour préciser, Le mot antépénultième désigne l'avant-avant-dernier, c'est-à-dire le troisième en partant de la fin. Dont acte. Voici le 2e extrait du magnifique single des Gonokox !
Gonokox
En 1989, Gonokox sort un premier 45 tours trois titres au titre aussi prometteur qu'explicite : Abject Rock'n'Roll. Pressé en autoproduction, ce disque condense tout ce qui fait le charme du quatuor rouennais : un punk rock nerveux, volontiers teinté de rock'n'roll, des textes qui oscillent entre humour absurde et anecdotes du quotidien, et un état d'esprit où l'envie de jouer passe largement avant toute ambition de carrière.
Formé à Rouen en 1988, Gonokox réunit Tournus au chant, Piéro à la guitare, Zbin à la basse et Tijeno à la batterie. Tous participent également aux chœurs, donnant à leurs morceaux cette dimension collective et spontanée qui fait mouche sur scène. Le groupe se construit rapidement une solide réputation dans le circuit alternatif normand en multipliant les concerts. Une quinzaine de dates par an les conduisent principalement en Normandie, mais aussi à Paris et dans plusieurs villes de province, aux côtés de nombreuses formations de la scène indépendante.
Comme beaucoup de groupes de cette génération, Gonokox fonctionne en totale autonomie. Les musiciens financent eux-mêmes leurs enregistrements, pressent leurs disques et les diffusent par l'intermédiaire des concerts, des distros et des réseaux de passionnés. Avant même la sortie du 45 tours, ils publient une première cassette six titres qui leur permet de se faire connaître dans le milieu punk français.
Les trois morceaux d'Abject Rock'n'Roll illustrent parfaitement leur univers. Derrière des titres aussi improbables que « Le Retour de la Dézaï », « L'Antépénultième » ou « P'tites Vacances » se cachent des histoires bien réelles. Cette dernière est inspirée d'un fait divers impliquant un gardien de camping enfermé par plaisanterie dans son bureau de poste, tandis que « L'Antépénultième » raconte une véritable histoire d'amour vécue par le chanteur. Chez Gonokox, le quotidien devient matière à chanson, toujours avec une bonne dose de second degré.
Musicalement, le groupe revendique autant l'héritage du punk français que celui de la scène britannique. Les Sheriffs, Les Rats, Parabellum ou Les Collabos figurent parmi leurs références, mais les quatre musiciens ne s'arrêtent pas là. Ils écoutent également du rock'n'roll, du rhythm'n'blues, du western, du jazz et des groupes comme The Cramps. Cette ouverture donne à Gonokox une identité légèrement différente de celle de nombreux groupes alternatifs de l'époque, avec un goût marqué pour les rythmes hérités du rock'n'roll.
Cette passion transparaît également sur scène, où le groupe reprend aussi bien « Rip It Up », « Blues Suede Shoes » ou « Twist and Shout » que « New Rose » et « Help » des Damned, « Just Because » des Anti-Nowhere League ou encore « Back in the U.S.S.R. » des Beatles. Une sélection qui résume assez bien leur culture musicale, située quelque part entre le garage rock, le pub rock et le punk.
Mais ce qui distingue peut-être le plus Gonokox, c'est son humour permanent. Les musiciens refusent de se prendre au sérieux, enchaînent les plaisanteries en interview et prennent leurs distances avec les discours parfois très politisés de la scène alternative. Ils préfèrent raconter des histoires drôles, parler de leurs copains, de leurs galères ou de leurs amours, avec une autodérision qui rend le groupe particulièrement attachant.
L'aventure se poursuit avec plusieurs participations à des compilations sur cassette avant la sortie, en 1991, de leur unique album, Pays D'Caux Fever, puis d'un second 45 tours, L'Aïe Veu !. L'histoire de Gonokox s'achève en 1992, après seulement quatre années d'existence, mais le groupe laisse derrière lui une poignée de disques qui résument parfaitement l'esprit DIY de cette époque. Sans chercher à révolutionner le punk français, Gonokox en a incarné l'une des facettes les plus sincères : celle de copains qui montent un groupe pour jouer fort, enregistrer quelques disques et passer de bons moments, avec une énergie et une authenticité qui, plus de trente-cinq ans plus tard, n'ont rien perdu de leur fraîcheur.
L'autre face du 2e single de Fatidic Seconde
Voici "Le Chemin D'un Rêve" l'autre face du single de Fatidic Seconde sorti sur une major : A&M. A&M a peu signé ce type de musique et encore moins des groupes français. J'aimerai bien connaître l'histoire contractuelle de ce single !
The Bolshoi
Au milieu des années 80, alors que la new wave anglaise commence à se transformer en une multitude de courants, certains groupes cherchent encore à concilier l’urgence du post-punk, la noirceur du rock gothique et l’efficacité mélodique de la pop. The Bolshoi fait partie de ces formations qui auraient pu connaître une destinée beaucoup plus importante. En quelques années seulement, le groupe anglais a pourtant réussi à marquer durablement les amateurs de musique indépendante grâce à des morceaux comme « A Way », « Sunday Morning » ou « Happy Boy », véritables joyaux d’une époque où les guitares sombres côtoyaient les synthétiseurs et les refrains immédiats.
The Bolshoi voit le jour en 1984 à Trowbridge, dans le Wiltshire, autour du chanteur et guitariste Trevor Tanner et du batteur Jan Kalicki. Les deux musiciens se connaissent déjà puisqu’ils avaient auparavant joué ensemble dans une formation punk appelée Moskow. Ils sont rapidement rejoints par le bassiste Graham Cox, puis par Nick Chown, qui participera à la période la plus connue du groupe. Comme beaucoup de formations anglaises de cette génération, The Bolshoi va progressivement quitter sa ville d’origine pour rejoindre Londres, véritable centre de gravité de la scène alternative britannique.
Le nom du groupe, qui signifie « grand » ou « important » en russe, semble déjà annoncer une certaine ambition. Pourtant, leur musique n’a rien de triomphaliste. Elle est au contraire traversée par une tension permanente, entre mélancolie et énergie. La voix profonde et théâtrale de Trevor Tanner donne aux chansons une dimension presque inquiétante, tandis que les guitares nerveuses et la basse omniprésente rappellent l’héritage du punk et du post-punk. The Bolshoi partage alors certains territoires avec Bauhaus, The Cult ou The Sound, mais possède une identité propre, moins enfermée dans les codes gothiques et davantage tournée vers l’écriture de chansons fortes.
Le premier véritable signal arrive en 1985 avec l’EP « Giants », publié par Situation Two, le label associé à Beggars Banquet. Des titres comme « Happy Boy », « Fly » ou « Giants » attirent rapidement l’attention d’un public amateur de sons alternatifs. Le groupe se forge également une solide réputation sur scène, partageant notamment l’affiche avec des formations comme The Cult, The Lords of the New Church ou The March Violets. Leur univers visuel et sonore correspond parfaitement à cette période où la frontière entre rock indépendant et culture new wave devient de plus en plus poreuse.
En 1986 sort « Friends », leur premier album, toujours chez Beggars Banquet. C’est le disque qui va leur offrir une reconnaissance internationale, notamment grâce au titre « A Way ». Avec son mélange de guitare mélancolique, de rythme dansant et de refrain immédiatement mémorisable, le morceau devient leur plus grand succès. Aux États-Unis, il bénéficie d’une importante diffusion sur les radios universitaires et contribue à faire connaître le groupe au-delà du cercle des amateurs de musique underground. L’album contient également « Sunday Morning », autre titre majeur de leur répertoire, qui résume parfaitement l’équilibre fragile entre obscurité et mélodie qui fait la force de The Bolshoi.
« Friends » révèle un groupe plus ambitieux qu’une simple formation estampillée gothique. Des morceaux comme « Modern Man » ou « Books on the Bonfire » montrent une écriture plus nuancée, avec des textes souvent désabusés et une volonté de construire de véritables atmosphères. The Bolshoi appartient à cette génération de groupes anglais capables de parler du malaise de leur époque sans renoncer à l’efficacité pop.
En 1987 paraît « Lindy’s Party », un deuxième album qui tente d’élargir encore leur public. Le groupe affine son écriture, cherche des arrangements plus accessibles et sort notamment les singles « Please » et « T.V. Man ». Malgré de bonnes critiques et une base de fans fidèle, le succès commercial attendu n’arrive pas. Comme beaucoup de groupes de cette période, The Bolshoi se retrouve pris entre les exigences de l’industrie musicale et une scène qui évolue rapidement vers d’autres sonorités.
Un troisième album, « Country Life », est enregistré à la fin des années 80 mais ne connaîtra qu’une publication tardive. Peu après, le groupe disparaît progressivement, laissant derrière lui une discographie finalement assez courte mais particulièrement appréciée des collectionneurs et des passionnés de new wave.
Avec le recul, The Bolshoi représente parfaitement une certaine idée du rock anglais des années 80 : sombre mais mélodique, indépendant mais capable de toucher un large public, influencé par le punk mais attiré par les possibilités offertes par la pop. Leur carrière n’aura peut-être pas atteint les sommets de certains contemporains, mais des chansons comme « A Way », « Sunday Morning » ou « Happy Boy continuent de rappeler qu’au milieu des années 80, derrière les grands noms de la new wave, existait une multitude de groupes capables d’inventer des univers singuliers. The Bolshoi est l’un de ces trésors oubliés qui méritent régulièrement d’être redécouverts.
Fatidic Seconde
Au milieu des années 80, Paris est un terrain de jeu incroyable pour les groupes qui cherchent à mélanger rock, électronique et nouvelles sonorités. Entre les héritiers de la cold wave, les formations new wave et tous ceux qui rêvent d'une reconnaissance radiophonique, une multitude de groupes apparaissent, enregistrent quelques titres et disparaissent parfois avant même d'avoir eu le temps de laisser une véritable trace. Fatidic Seconde fait partie de ces formations mystérieuses dont un ou deux vinyles suffisent pourtant à raconter toute une époque.
Le groupe se forme à Paris en 1985 autour de Dominique Rabillier au chant et à la batterie, Pascal à la basse et Simon aux claviers. Leur musique s'inscrit pleinement dans l'air du temps : des rythmiques tendues, des synthétiseurs omniprésents, une esthétique entre rock futuriste et new wave française. Comme beaucoup de groupes de cette génération, Fatidic Seconde cherche à trouver un équilibre entre l'énergie du rock et les possibilités offertes par les machines qui envahissent alors les studios.
Le premier témoignage discographique du groupe est le 45 tours Metropolis, publié en 1985 sur le label Réflexes. Le titre porte bien son nom : une vision urbaine, froide et légèrement dystopique, qui évoque les grandes influences électroniques de l'époque tout en conservant une identité française. Ce premier disque attire rapidement l'attention puisque Fatidic Seconde signe ensuite chez A&M Records, une maison beaucoup plus importante qui semble alors croire au potentiel du groupe.
C'est sur ce label que paraît la même année Le Drakkar (Sidonie), leur morceau le plus connu. Sorti en 45 tours mais également en maxi 45 tours, le disque propose une version longue, une version instrumentale et le titre Le Chemin d'un rêve en face B. Avec son histoire de drakkar viking voguant vers l'Angleterre, son personnage de Sidonie et son ambiance à la fois épique et décalée, le morceau occupe une place très particulière dans la production new wave française de 1985. Loin des textes introspectifs ou des paysages urbains habituels du genre, Fatidic Seconde choisit une imagerie presque cinématographique, soutenue par des claviers puissants et une rythmique martiale.
Les enregistrements de cette période voient également apparaître le nom de Pierre Jaconnelli à la guitare. À l'époque, il n'est encore qu'un jeune musicien participant à l'aventure, mais il deviendra par la suite l'un des guitaristes de studio les plus sollicités de la scène française, collaborant notamment avec Étienne Daho, Alain Bashung, Mylène Farmer ou encore Johnny Hallyday. Fatidic Seconde constitue ainsi l'un des premiers épisodes d'une carrière qui prendra quelques années plus tard une tout autre ampleur.
Contrairement à ce que pourrait laisser penser une discographie limitée à deux singles, l'histoire du groupe ne s'arrête pas en 1985. Fatidic Seconde poursuit son aventure pendant plusieurs années. En 1988, Jérôme Lemonnier rejoint la formation aux claviers. Dominique Rabillier quitte alors la batterie pour se consacrer davantage au chant et Pascal Vaillant rejoint le groupe comme batteur et percussionniste. Cette nouvelle configuration montre que le groupe continue à chercher son équilibre et à évoluer, même si aucun nouveau disque ne viendra documenter cette période.
Finalement, après cette dernière étape, Fatidic Seconde se sépare en 1989. Aucun album (mais 5 singles), aucun succès commercial majeur, aucune grande tournée ne viendront prolonger l'aventure. Pourtant, les quelques morceaux laissés derrière eux témoignent d'une période où de nombreux groupes français tentaient de nouvelles choses, parfois avec le soutien ponctuel de maisons de disques importantes.
Aujourd'hui, Metropolis et surtout Le Drakkar (Sidonie) sont devenus des curiosités recherchées par les amateurs de new wave française et de raretés des années 80. Fatidic Seconde appartient à cette grande famille des groupes qui n'ont pas connu la gloire mais qui ont capturé, pendant quelques années, l'esprit d'une époque. Celle d'un Paris où les synthétiseurs côtoyaient les guitares, où tout semblait encore possible, et où un simple 45 tours pouvait ouvrir la porte à un autre monde.
L'e.p. de Stillers
Ici, on pourra télécharger en Mp3 l'unique e.p. de Stillers sorti en 1982 ! Les chansons son taggées avec leurs vrais noms, tandis que les noms stipulés sur la pochette apparaissent entre parenthèses !
Le clip des Garçons Ordinaires
Voici le clip de "Flower Power", une chanson extraite de l'unique album du groupe sorti en 1993. Un clip DIY comme on les aime...
Le temps et l'argent
Le temps a du, sans doute, manquer aux Names, ce magnifique trio Power pop qui a sorti un ep en Allemagne. On notera que le groupe a été compilé dans les fameuses compil' bootlegs : "Power Pearls".
Des Garçons Ordinaires
Une spéciale dédicace au camarade Pascal B.
Il y a des disques qui ressemblent à des petits miracles. Des objets fragiles, presque dérisoires en apparence, mais qui contiennent une époque entière. Un flexi-disc, quelques chansons enregistrées sur un quatre pistes, une pochette dessinée à la main… et soudain, trente ans plus tard, le temps s’arrête. Le flexi trois titres de Des Garçons Ordinaires appartient à cette famille de disques minuscules qui racontent pourtant une grande histoire : celle d’une scène indépendante française passionnée, artisanale et totalement dévouée à la pop.
Au début des années 90, Rennes est l’un des foyers importants du rock indépendant français. La ville a déjà une longue tradition musicale et accueille une nouvelle génération de groupes nourris par les guitares anglaises, la pop mélodique et l’éthique DIY. C’est dans ce contexte que naissent Des Garçons Ordinaires, formation qui va devenir l’un des plus beaux représentants français de cette mouvance que l’on appellera plus tard indie pop ou jangle pop.
Le groupe réunit Alban Rautenstrauch à la basse, Emmanuel Lamour à la batterie, aux guitares, aux claviers et au chant, Boris à la guitare et Stéphane au chant, à la guitare et à l’harmonica. Leur musique possède immédiatement cette élégance particulière des groupes qui préfèrent les mélodies aux démonstrations techniques. Des guitares claires, des harmonies délicates, une certaine naïveté assumée et ce goût pour les chansons qui semblent simples avant de révéler toute leur richesse.
Le premier témoignage discographique du groupe est un objet typique de cette époque : un flexi une face trois titres publié par Glam Records sous la référence GLAM 003. Le label avait déjà publié auparavant des flexis de groupes comme Solace ou Smily Post, et celui de Des Garçons Ordinaires sera probablement son dernier. Enregistrées en novembre 1991 sur un simple quatre pistes, les trois chansons présentes sur ce disque – « Sister Love and Mr Moon », « Caroline » et « My Favorite Garden » – capturent parfaitement l’univers du groupe.
La pochette est elle aussi un condensé de l’esthétique indie-pop du début des années 90 : un dessin représentant quatre jeunes filles, une image qui aurait parfaitement pu accompagner un disque de Sarah Records ou d’un obscur label anglais. Tout est là : le romantisme adolescent, le goût du fait main, l’impression qu’un disque peut être plus qu’un simple support musical, mais aussi une lettre envoyée à quelques passionnés.
Musicalement, Des Garçons Ordinaires ne cherchent pas à révolutionner le rock. Leur force est ailleurs. Ils savent transformer des influences multiples – les Byrds, la pop anglaise des années 80, Television Personalities, la scène C86 – en quelque chose de personnel. Il y a dans leurs chansons une fragilité et une sincérité qui rendent leurs morceaux immédiatement attachants. « Sister Love and Mr Moon » est certainement le titre qui résume le mieux cette approche : une mélodie lumineuse, une guitare scintillante et cette sensation d’écouter un groupe qui joue simplement parce qu’il aime les chansons.
Après ce premier flexi, le groupe rejoint le label Cornflakes Zoo, fondé au début des années 90 par Stéphane Teynié, alors responsable du fanzine Anorak et d’une mail-order consacrée à la scène indépendante. Ce label deviendra rapidement un acteur essentiel de l’indie-pop française, publiant notamment Les Autres ou Non Stop Kazoo Organization. En 1993, Des Garçons Ordinaires y sort son unique album, simplement intitulé Des Garçons Ordinaires.
Ce disque confirme tout le potentiel entrevu sur le flexi. Douze titres de pop brillante et mélodique, enregistrés avec Damien Bertrand pour la majorité des morceaux, et avec Vincent Lecouplier, alias Vincent Balloon, pour « Nice Price », « La La La » et « Bass Drum ». On y retrouve notamment « Flower Power », « Galaxy », « Clouds », « Sometimes We Smile » ou encore « Lost in Space #3 ». Un album qui aurait mérité une reconnaissance bien plus large, mais qui restera malheureusement connu principalement des amateurs les plus passionnés.
Comme beaucoup de groupes de cette scène, Des Garçons Ordinaires vont surtout vivre à travers les compilations et les réseaux indépendants. Leur musique apparaît sur plusieurs témoignages importants de cette période : la cassette Heol Daou en 1990 avec le titre « Into Space », In The Limelight en 1991, la compilation espagnole Around The World Again du label Elefant Records en 1992, Whoops! chez Houpla, Garden Party chez Aliénor Records, ou encore Ces Chères Têtes Blondes et The Noise and The Melodies – The Pearl Compilation en 1993. En 1994, leur morceau « Laughing Box » figure également sur le coffret The Onion Most Dangerous Game d’Aliénor Records. Le groupe apparaît même sur la compilation vidéo internationale Munch Part I, avec le clip de « Flower Power ».
Sur scène, Des Garçons Ordinaires auront notamment l’occasion de jouer au Krakatoa de Mérignac en janvier 1993, preuve de leur présence dans le réseau des salles indépendantes françaises de l’époque. Pourtant, malgré ces nombreuses apparitions et la qualité évidente de leurs chansons, le groupe restera toujours un peu à côté des radars médiatiques.
Après l’aventure Des Garçons Ordinaires, Emmanuel Lamour poursuivra son parcours musical sous différents noms et projets, tandis que Stéphane rejoindra notamment le groupe Mum’s The Word. Mais l’histoire de Des Garçons Ordinaires ne disparaîtra jamais complètement. Elle continuera à circuler grâce aux collectionneurs, aux blogs spécialisés, aux passionnés de pop indépendante et à ces petits disques que certains prennent encore le temps de ressortir des cartons.
Ce flexi est donc bien plus qu’une curiosité pour collectionneur. C’est une capsule temporelle. Quelques minutes de musique gravées dans un support fragile qui rappellent une époque où quatre garçons de Rennes pouvaient enregistrer trois chansons sur un quatre pistes et espérer qu’elles trouvent leur chemin jusqu’à quelqu’un.
Trente ans plus tard, elles ont toujours trouvé quelqu’un.
Maybe Baby
Nouvel extrait du long des David Vincent, voici "Maybe Baby" qui n'a rien à voir avec le standard de Buddy Holly !
Seaton magnifié
Grâce à mon IA préférée, j'ai pu retravailler 3 photos extraites de la vidéo de Seaton en concert à Aix-en-Provence en 1989 ! Le résultat est saisissant !
Le retour des Chesterfield Kings
J'ai déjà parlé de ce groupe, ici-même !
À la fin des années 70, alors que le punk vient de dynamiter les codes du rock, quelques passionnés décident de regarder en arrière plutôt que de courir après la modernité. À Rochester, dans l’État de New York, un groupe de jeunes musiciens choisit de ressusciter l’esprit sauvage des groupes garage américains des années 60. Leur nom : The Chesterfield Kings.
Formé en 1979 autour du chanteur Greg Prevost, véritable encyclopédie vivante du rock sixties, le groupe n’a jamais caché son obsession pour les faces B oubliées, les petits labels disparus et les groupes qui n’ont parfois sorti qu’un seul 45 tours avant de disparaître. Leur ambition n’est pas simplement de jouer du rock rétro : il s’agit de retrouver une époque, un son, une attitude. Celle des teenagers américains qui enregistraient dans des garages, des petits studios locaux ou des sous-sols avec des amplis saturés et une énergie brute.
Le premier 45 tours du groupe, « I Ain’t No Miracle Worker », sort en 1981 dans une quantité dérisoire, environ une centaine d’exemplaires. Le choix est révélateur de leur démarche : fabriquer un disque qui ressemble à ceux qu’ils collectionnent. Un objet rare, presque fantôme, destiné aux passionnés plutôt qu’au marché musical traditionnel.
En 1982 paraît leur premier album, Here Are The Chesterfield Kings. Un disque entièrement consacré aux reprises de groupes obscurs des années 60. À une époque où internet n’existe pas encore et où retrouver certains morceaux relève de la chasse au trésor, les Chesterfield Kings deviennent une véritable passerelle vers un patrimoine oublié. Ils remettent en circulation des titres de groupes comme The Standells, The Sonics ou The Remains et participent à faire redécouvrir toute une scène garage américaine.
Mais les Chesterfield Kings ne veulent pas rester de simples archéologues du rock. Avec Stop! en 1985, ils commencent à intégrer leurs propres compositions tout en conservant cette esthétique si particulière : guitares fuzz, orgue électrique, voix agressive, réverbération excessive et cette impression permanente d’écouter un disque retrouvé au fond d’un carton poussiéreux chez un disquaire de l’Amérique profonde.
Le groupe devient rapidement l’un des piliers du garage revival américain aux côtés des Fuzztones, des Cynics ou des Miracle Workers. Sur scène, leur réputation grandit grâce à des concerts qui reprennent tous les codes de l’époque : costumes, amplis vintage, attitude arrogante et énergie adolescente. Ils ne jouent pas seulement de la musique des années 60, ils tentent de recréer l’univers complet qui l’entourait.
Au fil des années, les Chesterfield Kings vont pourtant évoluer. Don’t Open Till Doomsday (1987) reste l’un de leurs albums les plus appréciés, avec un son plus personnel et même une composition signée Dee Dee Ramone. Dans les années 90, ils explorent d’autres territoires : le blues avec Drunk on Muddy Water, l’univers des Rolling Stones avec Let’s Go Get Stoned, ou encore la surf music avec le double album Surfin’ Rampage. Leur curiosité les pousse également vers le psychédélisme avec The Mindbending Sounds of The Chesterfield Kings en 2003.
L’histoire du groupe est aussi liée à celle d’Andy Babiuk, bassiste des Chesterfield Kings et immense spécialiste des Beatles. Collectionneur passionné, auteur d’ouvrages consacrés aux instruments des Fab Four, il est également membre du supergroupe The Empty Hearts aux côtés de Clem Burke de Blondie, Elliot Easton des Cars et Wally Palmar des Romantics.
Au début des années 2000, les Chesterfield Kings bénéficient d’une nouvelle reconnaissance grâce au soutien de Steven Van Zandt, guitariste de Bruce Springsteen et animateur de l’émission Underground Garage. Le groupe apparaît même dans un épisode de la série Les Soprano, preuve que cette musique née dans les petits clubs a fini par toucher un public bien plus large.
Après une longue pause, les Chesterfield Kings reviennent finalement sous l’impulsion d’Andy Babiuk. En 2024, le groupe publie We’re Still All The Same, un nouvel album qui prouve que leur passion pour le garage rock est intacte. Plus de quarante ans après leurs débuts, leur mission reste la même : faire vivre une certaine idée du rock, celle des disques imparfaits, des guitares trop fortes et des chansons enregistrées avec plus de cœur que de moyens.
Les Chesterfield Kings ne sont pas seulement un groupe nostalgique. Ils sont ceux qui ont rappelé au monde que derrière chaque vieux 45 tours oublié se cachait peut-être une pépite. Leur plus grande réussite est sans doute d’avoir transformé leur obsession personnelle en mouvement musical, donnant envie à plusieurs générations de repartir à la recherche de ces trésors cachés du rock garage.
Ultime Possibilité
Originaire de Bourges, Ultime Possibilité (UP pour les intimes) apparaît vers 1986 dans une ville où l'effervescence musicale est entretenue par le Printemps de Bourges, les radios libres et un tissu associatif particulièrement dynamique. Si leur nom est aujourd'hui presque tombé dans l'oubli, Ultime Possibilité s'inscrit pleinement dans cette génération de groupes qui, loin de Paris, participent à l'essor d'une scène indépendante inventive et ambitieuse. À l'écoute de leurs enregistrements, on perçoit immédiatement les influences de la new wave européenne : des synthétiseurs omniprésents, des boîtes à rythmes, des guitares cristallines et une voix portée par une mélancolie qui évoque aussi bien Little Nemo que Mary Goes Round, Guerre Froide ou Collection d'Arnell-Andréa.
Avant de publier leur unique 45 tours, le groupe enregistre une cassette démo de six titres aujourd'hui quasiment introuvable. On y retrouve Would You Smile, Sea Of Faces, No More Lies, La Chambre Vide, Guardian Angel et Pensées Nocturnes. Ce premier enregistrement montre déjà une particularité du groupe : alterner chansons en anglais et en français, une pratique assez répandue dans la scène cold française de l'époque, où les influences britanniques côtoient une identité profondément hexagonale.
Ultime Possibilité ne tarde pas à sortir du simple cadre local. En 1987, deux morceaux, Coute Que Coute et What Was Your Mission, figurent sur la compilation The Unknown 4, qui rassemble plusieurs formations prometteuses de la scène indépendante. L'année suivante, Coute Que Coute réapparaît sur Orcades Machinales Vol. 1, une compilation devenue culte chez les amateurs de cold wave française, aux côtés de groupes tels que X Ray Pop, Collection d'Arnell-Andréa, In Aeternam Vale, Pavillon 7B ou encore Fureur Parallèle. Cette présence témoigne de la reconnaissance dont bénéficie alors le groupe dans les réseaux spécialisés, même si cette notoriété restera confidentielle.
C'est également en 1988 qu'Ultime Possibilité publie son seul véritable disque, le 45 tours Errance, accompagné de No More Lies en face B. Édité sous la référence MSR 54052 par Milk Shake Records, petit label indépendant particulièrement actif dans les marges de la scène française, le disque est aujourd'hui recherché par les collectionneurs. Milk Shake Records a notamment publié des groupes comme Corps Diplomatique, Villa Medicis, Amour Puzzle, Exophen ou Zéro Comics, constituant au fil des années un catalogue devenu une véritable photographie de cette scène alternative de la fin des années 1980.
Les archives disponibles révèlent également une apparition du groupe dans l'émission télévisée ZAP, où il interprète Coute Que Coute en playback. Cette prestation constitue vraisemblablement la seule archive vidéo connue d'Ultime Possibilité, renforçant encore le caractère presque mythique du groupe auprès des passionnés.
Malheureusement, c'est aussi à ce moment que la trace d'Ultime Possibilité s'interrompt. Aucun album ne verra le jour et tout laisse penser que le groupe se sépare peu après la sortie d'Errance. Comme tant d'autres formations indépendantes de cette époque, il disparaît avant d'avoir pu développer une discographie plus conséquente, victime sans doute des faibles moyens de production et de diffusion qui caractérisaient alors le rock indépendant français.
Les recherches menées pour cet article montrent combien il est difficile de reconstituer l'histoire complète d'un groupe comme Ultime Possibilité. Les noms des musiciens demeurent, à ce jour, introuvables. Ni les bases de données musicales, ni les archives accessibles des fanzines spécialisés, ni les catalogues en ligne ne permettent de les identifier avec certitude. Les pistes les plus prometteuses passent désormais par les archives non numérisées de la presse régionale, les collections de la Fanzinothèque de Poitiers, les dépôts de la SACEM ou encore les documents conservés par les anciens responsables de Milk Shake Records. Il n'est pas impossible que les réponses s'y trouvent encore, attendant simplement d'être redécouvertes.
C'est peut-être aussi ce qui fait tout le charme d'Ultime Possibilité. Plus de trente-cinq ans après la sortie d'Errance, le groupe demeure une énigme, un nom qui surgit au détour d'une compilation culte ou d'un vieux 45 tours chiné chez un disquaire. Une de ces formations qui rappellent que l'histoire du rock français ne s'écrit pas seulement avec les groupes devenus célèbres, mais aussi avec tous ceux qui, le temps de quelques chansons, ont laissé une empreinte discrète mais durable dans la mémoire des amateurs de musique indépendante.
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