Take Care
Dernier extrait du maxi d'Alibi, voici "Take Care" chanté en anglais... Pas forcément le meilleur choix même si on appréciera le travail sur les percussions et les guitares !
Daisy Duck
Au début des années 1980, Nice ne se résume pas à ses plages, à ses palmiers et à ses retraités en quête de soleil. La ville possède aussi une scène rock qui tente de se faire entendre, avec ses groupes, ses concerts et ses musiciens qui bricolent leur propre version de la nouvelle vague. Daisy Duck fait partie de cette petite faune électrique. En 1984, le trio publie « Betty Boop », un 45-tours qui mérite de sortir de l'oubli.
Daisy Duck réunit Diana au chant, Myriam à la basse et Maï à la guitare. Les trois filles se connaissent déjà, fréquentent les mêmes musiciens et finissent par se retrouver autour d'un projet commun. À l'époque, trouver une batteuse relève toutefois du casse-tête. Le groupe cherche de préférence une fille pour compléter la formation. L'important reste de pouvoir jouer, répéter et multiplier les concerts.
Les comparaisons avec les Go-Go's ne tardent pas à surgir. Daisy Duck ne rejette pas les rapprochements avec les groupes féminins américains, mais revendique une identité propre. En France, un groupe composé de filles doit encore souvent batailler pour être considéré comme une formation de rock à part entière. Maï insiste sur ce point : le sexe des musiciennes ne devrait pas constituer le principal sujet de conversation. Daisy Duck entend jouer du rock, tout simplement, sans passer son temps à justifier son existence.
Le trio a déjà quelques belles étapes à son actif. Daisy Duck s'est produit aux Trans Musicales de Rennes en décembre 1982, a joué à plusieurs reprises au Gibus à Paris et participé à une soirée organisée par le magazine Actuel. Un concert à Toulon devant quelque 1 500 marins figure également parmi les souvenirs marquants du groupe. Sur scène, les Niçoises cherchent à convaincre et à s'imposer au-delà de leur fief. Les amitiés musicales et les relations avec les autres formations locales participent à la vitalité de cette petite communauté rock, qui tente de se frayer un chemin loin des circuits dominants.
En 1984, Daisy Duck passe à la vitesse supérieure avec « Betty Boop », un 45-tours publié chez Victoria Records, un sous-label associé à Big Beat distribué par RCA. La production est confiée à Jacky Chalard, figure bien connue des réseaux indépendants du rock français. Le titre est en réalité une adaptation d'« Alley Oop », chanson américaine popularisée en 1960 par les Hollywood Argyles. Composé par Dallas Frazier, ce morceau humoristique raconte les exploits d'un homme des cavernes inspiré d'une bande dessinée américaine. Daisy Duck délaisse le héros préhistorique pour Betty Boop, autre figure emblématique de la culture populaire américaine. Le résultat s'inscrit dans une tradition de rock'n'roll volontiers loufoque, où les reprises, les personnages de bande dessinée et les références à la culture populaire fournissent un matériau de choix.
Le 45-tours comprend également « Copie pas » et « Mon beau sergent ». Daisy Duck ne s'arrête pas à cette première sortie : un second single paraît chez Victoria Records, lui aussi produit par Jacky Chalard. Cette collaboration inscrit les Niçoises dans le réseau de Big Beat, qui accompagne alors plusieurs formations françaises évoluant en marge du rock dominant. Deux disques pour fixer sur vinyle une aventure qui ne se limite pas aux concerts et témoigner de l'existence d'un groupe déterminé à se faire une place.
Daisy Duck poursuit son parcours avec des titres comme « Ça suffit » et « Dongidigou (Surfin' Dance) », dont le nom annonce un penchant pour les plaisirs du rock et de la surf music. Mais l'histoire de ces musiciennes reste aujourd'hui difficile à reconstituer, comme celle de tant de formations françaises qui ont enregistré quelques morceaux, écumé les scènes et disparu des radars sans laisser derrière elles une abondante documentation.
Les disques de Daisy Duck appartiennent à cette autre histoire du rock français : celle des groupes régionaux qui tentent leur chance avec peu de moyens, mais suffisamment d'énergie pour monter sur scène et enregistrer leurs chansons. Le trio niçois n'a peut-être pas bouleversé l'industrie musicale, mais il rappelle qu'en 1984, le rock français ne se jouait pas uniquement à Paris...
Le nouveau single de Jean_Marc
Avec mon groupe électro yé-yé préféré nous venons de sortir un nouveau single qui n'es pas sans rappeler certaines prises de position de groupes comme les Wampas. Bref, "On est Vieux (Et On Vous Emmerde)" reprend les incontournables du groupe : électro low-fi, fuzz, vocoder et rétro-provocation. Cette chanson nous a demandé pas mal d'efforts puisqu'il nous a fallu réenregistrer la voix de Brigitte 2 fois pour cause de justesse un peu défaillante. C'est d'abord de notre faute (jony'vs et moi) car nous nous soucions assez peu de sa tessiture quand il s'agit de composer. Anyway, pour le clip de rigueur qui accompagne la sortie de la chanson, nous avons repensé à nos débuts avec les Fricotins (un hommage à la fameuse couv. d'Actuel) mais ce coup-ci ce sont les mamans et tantes que nous avons mis à contribution. Pour un résultat que je vous laisse apprécier.
Patti Smith
En 1977, Patti Smith est devenue l'une des figures du rock new-yorkais. À ses côtés depuis ses premières performances poétiques, le guitariste Lenny Kaye joue un rôle essentiel dans cette aventure. Collectionneur de 45-tours et spécialiste des groupes américains oubliés des années 1960, il a aussi contribué à faire redécouvrir le garage rock avec la compilation Nuggets, publiée en 1972. Une passion qui irrigue son jeu de guitare et éclaire une partie de l'identité musicale du Patti Smith Group.
Née en 1946 à Chicago, Patti Smith arrive à New York en 1967 avec des ambitions littéraires davantage que musicales. Elle écrit des poèmes, fréquente les milieux artistiques et cherche sa place dans une ville où les artistes vivent parfois de presque rien. Sa rencontre avec Robert Mapplethorpe accompagne ces premières années de bohème, tandis que son admiration pour Arthur Rimbaud, William Blake et Bob Dylan nourrit une conception très personnelle de la création. Le rock n'est pas encore son métier, mais il représente déjà un formidable moyen de donner du corps et du bruit à ses textes.
Lenny Kaye, de son côté, possède une culture musicale qui ne se limite pas aux grandes figures du rock. Né en 1946 à New York, il est guitariste, journaliste musical et passionné de 45-tours. Il s'intéresse particulièrement à cette multitude de groupes américains qui, au milieu des années 1960, enregistrent un ou deux singles dans des conditions souvent rudimentaires avant de disparaître dans les oubliettes de l'industrie discographique. Des formations locales, des chanteurs à la carrière éphémère, des guitaristes approximatifs mais inspirés, des morceaux enregistrés à la va-vite : tout un pan du rock'n'roll qui échappe aux récits officiels et dont la vitalité constitue précisément l'intérêt.
Cette passion prendra une forme particulièrement concrète avec Nuggets: Original Artyfacts from the First Psychedelic Era, 1965–1968, compilation conçue par Kaye et publiée en 1972. Elle rassemble vingt-sept titres de groupes américains plus ou moins oubliés, parmi lesquels les Seeds, les Standells, les Electric Prunes ou les Leaves. Le disque contribue à imposer une autre histoire du rock des années 1960, loin des carrières monumentales et des albums conceptuels : celle des singles sauvages, des guitares saturées, des orgues acides et des adolescents qui montent un groupe dans leur garage sans nécessairement savoir jouer correctement. Le garage rock n'est pas inventé par Nuggets, bien sûr, mais cette compilation devient une référence majeure pour tous ceux qui voudront retrouver l'énergie primitive du rock, du punk au revival garage des décennies suivantes.
Lorsque Patti Smith et Lenny Kaye se rencontrent, au tournant des années 1970, leurs univers se complètent naturellement. Elle apporte ses textes, sa présence et son goût pour la performance ; lui fournit une guitare, une connaissance profonde du rock et une sensibilité qui privilégie l'énergie à la virtuosité démonstrative. En février 1971, Kaye l'accompagne lors d'une lecture de poésie au St. Mark's Church Poetry Project. La guitare électrique transforme peu à peu la récitation en une forme de rock parlé, quelque part entre la performance artistique, le blues et le rock'n'roll. Une formule qui paraît aujourd'hui évidente, mais qui contribue alors à faire tomber les frontières entre poésie et musique populaire.
En 1974, les deux complices enregistrent « Hey Joe / Piss Factory », un single indépendant qui constitue une étape décisive. Dans « Piss Factory », Patti Smith raconte son expérience du travail en usine et son désir de s'échapper vers une autre existence. La guitare de Kaye accompagne cette colère sans chercher à la discipliner. Le morceau avance comme un manifeste, avec une tension qui monte au fil du récit. On y trouve déjà une bonne partie de ce que le punk revendiquera quelques années plus tard : une expression directe, une économie de moyens et la conviction qu'il n'est pas nécessaire d'attendre la permission de quiconque pour prendre la parole.
La formation du Patti Smith Group permet ensuite à cette association de trouver son équilibre. Kaye devient bien davantage qu'un accompagnateur. Sa guitare donne aux textes une assise électrique, mais son apport tient également à sa compréhension des formes les plus élémentaires du rock. Il connaît les riffs qui accrochent, les rythmes répétitifs, les chansons qui semblent tenir sur trois accords et les arrangements qui laissent suffisamment d'espace à une voix. Son jeu ne cherche pas à rivaliser avec les mots de Patti Smith : il leur ouvre un passage, leur oppose parfois une résistance, puis relance la machine quand le texte menace de déborder du cadre de la chanson.
Publié en 1975 et produit par John Cale, Horses porte la marque de cette rencontre. La reprise de « Gloria », empruntée au répertoire de Them, devient une déclaration d'indépendance dès ses premiers mots. Patti Smith s'empare du rock des années 1960, le détourne et le transforme en terrain d'expression personnelle. Ailleurs, les compositions s'étirent, se tendent et échappent aux structures habituelles de la chanson. Le groupe ne joue pas le punk avant l'heure au sens strict ; il participe plutôt à la construction d'un langage qui rendra possible une partie du rock alternatif à venir.
L'importance de Lenny Kaye ne se limite donc pas à sa présence dans l'un des groupes les plus influents de la scène new-yorkaise. Avec Nuggets, il avait contribué à remettre en circulation une mémoire musicale que beaucoup considéraient comme secondaire. Avec Patti Smith, il démontre que cet héritage peut rester vivant, non pas en reproduisant servilement les recettes du garage sixties, mais en conservant son goût du risque, sa spontanéité et son absence de révérence. Une filiation qui relie les groupes obscurs des années 1960 aux premières scènes punk, puis à tous ceux qui chercheront dans le rock une forme de liberté plutôt qu'un exercice de perfection technique.
Le document live de 1979 proposé ici, avec cette version inédite de « Twist and Shout », permet de retrouver le Patti Smith Group sur scène dans une période où le groupe a déjà largement dépassé le stade de la curiosité underground. La chanson, popularisée notamment par les Isley Brothers puis par les Beatles, appartient à ce patrimoine du rock'n'roll que Kaye connaît intimement. La reprendre, c'est revenir à une musique physique, collective et immédiate, celle des singles conçus pour faire bouger les corps avant de remplir les livres d'histoire. Entre les déclamations de Patti Smith et l'ancrage rock de son guitariste, le morceau rappelle que le punk new-yorkais n'est pas né de rien : il plonge aussi ses racines dans ces disques de garage que Lenny Kaye n'a jamais cessé de défendre.
Clap Machine en anglais
Voici la face B du single de Clap Machine produit par Daniel Darc. Bon, d'abord, c'est une version en anglais de la chanson tître. En suite, je pense que le groupe n'a pas vraiment existé mais que les Taxi Girls visaient le "tube facile". Mais ça n'a pas marché! En écoutant attentivement, on trouvera certaines similitudes avec Bandolero sorti aussi sur le label et qui fera (presque) le tour du monde !
Hagard
3e extrait du maxi d'Alibi, voici le très sautillant "Hagard" qui n'est pas sans rappeler certains grands moments d'Indochine !
Clap Machine
En 1982, Clap Machine publie chez Mankin Records, en association avec Virgin, un maxi 45 tours intitulé « Troublez-moi ce soir ». Un disque assez mystérieux, dont la carrière semble s'être arrêtée presque aussitôt commencée, mais qui mérite le détour pour son inscription dans la galaxie new wave française gravitant autour de Daniel Darc et de Taxi Girl.
Le label Mankin occupe alors une place particulière dans le paysage musical français. Né dans le sillage de Taxi Girl et distribué par Virgin, il accueille plusieurs formations aux sensibilités différentes, d'Oberkampf à Radio Romance, en passant par Civils et État Major. Daniel Darc, chanteur de Taxi Girl, y développe également son activité de producteur et d'auteur. Le label constitue ainsi une petite zone de liberté pour des groupes qui cherchent à s'écarter des chemins balisés de la variété française.
Clap Machine s'inscrit dans cette histoire avec « Troublez-moi ce soir », un morceau écrit par Daniel Rozoum, le véritable nom de Daniel Darc, et Morenton. Darc assure également la production du disque. La pochette est signée Serge Clerc, dessinateur emblématique de la bande dessinée rock, dont le trait a notamment accompagné l'imaginaire graphique de la scène musicale de cette époque.
Musicalement, Clap Machine s'oriente vers une synth-pop électronique, froide et dansante, où les machines occupent une place centrale. Les crédits disponibles mentionnent Lem au chant et à la batterie, Alain Turner aux synthétiseurs Jupiter, Prophet-5 et ARP, ainsi qu'à la programmation des séquences, et Eric Images à la programmation et à la basse. Une formation dont l'instrumentarium témoigne de l'intérêt croissant des musiciens français pour les possibilités offertes par les synthétiseurs et les rythmiques électroniques au début des années 1980.
« Troublez-moi ce soir » décrit un personnage désœuvré, enfermé dans une existence où le matin ne sert à rien et où les heures semblent se succéder sans véritable raison. Derrière cette apparente indifférence, le refrain exprime pourtant un désir de rupture : être dérangé, sortir de l'inertie, voir quelque chose arriver enfin. Le texte joue sur cette contradiction entre l'isolement et l'attente d'une présence extérieure. Une tonalité mélancolique qui s'accorde assez naturellement avec l'univers de Daniel Darc.
Le maxi paraît sous la référence 600 563. Il propose « Troublez-moi ce soir » en face A, suivi en face B de « Burning and Flying » et de « Dancing ». Une édition en 45 tours simple existe également, sous la référence 104 724, avec « Burning and Flying » en face B. Les deux formats témoignent d'une volonté de donner au projet un peu plus de consistance qu'un simple essai isolé, même si l'on ne dispose pas d'informations précises sur d'éventuelles prestations scéniques ou sur la suite de l'aventure.
Clap Machine demeure aujourd'hui une formation peu documentée, essentiellement connue pour ce disque. Impossible, en l'état des sources disponibles, de retracer précisément son histoire ou de savoir ce que sont devenus ses membres. Mais « Troublez-moi ce soir » constitue un témoignage intéressant de cette période où la new wave française se ramifiait en une multitude de projets parfois éphémères. Dans l'ombre de Taxi Girl, Daniel Darc continuait d'explorer d'autres territoires musicaux et de prêter sa plume à des formations moins exposées. Clap Machine fait partie de ces traces discrètes, conservées dans les sillons d'un maxi aujourd'hui difficile à croiser.
Le flexi des Garçons Ordinaires
Ici, on pourra télécharger en Mp3 le flexi 3 titres des Garçons Ordinaires sorti en 1992.
Ville
2e extrait du mystérieux maxi 4 titres d'Alibi, voici "Ville" une chanson au tître d'une extrême sobriété.
La Soirée Abrasive
Le 3 Octobre dernier, nous avons organisé une soirée "abrasive" (soutenue par notre label), avec 3 groupes. L'évènement se situait à la Bicyclette à Montreuil. Le show avait mal débuté en découvrant que la sono n'avait pas de retours. Mais une fois les contraintes posées, les 3 groupes se sont bien entendus et ont su s'adapter : Jean_Marc (avec votre serviteur au clavier et 2 autres ex-Monkey Business), Demolition Party (avec Franck et Dgé, anciens Cérémonies) puis Re//fuse avec Toto (ex Seaton) à la guitare. L'ambiance était à la bonne humeur et le public (plutôt nombreux) a soutenu les 3 groupes jusqu'au bout. Un bon moment de rock and roll...
L'autre face de 3 Imaginay Boys
Voici "Let It Go" aux tonalités mods telles que certains groupes anglais le pratiquaient à l'époque. Un son plutôt sec et brut comme on l'aime !
Alibi
En 1985, Alibi publie un maxi 45 tours quatre titres sur le label français Divine, sous la référence MAD 1020. Un disque aujourd’hui plutôt discret, qui appartient à cette vaste collection de productions françaises des années 80 dont on retrouve parfois la trace au détour d’une recherche discographique, sans que l’histoire du groupe ait laissé beaucoup d’autres indices.
Au programme, « Les Cartes », « Ville », « Hagard » et « Take Care », quatre morceaux qui s’inscrivent dans le territoire de la new wave et de la synth-pop. La formation repose sur Terry au chant et aux synthétiseurs, Thierry à la guitare, Steph à la basse et Fred à la batterie électronique Linn. Une instrumentation typique de l’époque, qui associe les sonorités synthétiques alors en pleine expansion à une structure de groupe rock plus traditionnelle.
Les crédits du disque révèlent toutefois une production plus étoffée que ne le laisserait supposer cette formation de quatre musiciens. Chris et L. Bourgeon interviennent aux synthétiseurs, Ken et Manu aux guitares, Nath aux chœurs, tandis que F. Driay apporte le saxophone et M. Bauer les percussions. Cette dernière est Mireille Bauer, musicienne notamment connue pour son travail avec le groupe Gong. Autant de contributions qui donnent à ce maxi une dimension collective et suggèrent un travail d’arrangement assez conséquent pour quatre titres dont la durée totale dépasse à peine les dix minutes.
Le disque est distribué par Madrigal, dont le nom apparaît dans les crédits, et fabriqué avec le concours de Glory pour l’impression. Divine assure les droits phonographiques et éditoriaux. Autant de mentions qui permettent de replacer cette sortie dans le circuit professionnel du disque français, même si les informations disponibles ne permettent pas de reconstituer précisément les circonstances de sa production ni le parcours de ses musiciens.
Le maxi semble être la seule publication connue d’Alibi. On ne dispose pas, à ce stade, d’informations suffisamment solides sur les origines du groupe, ses éventuels concerts ou les raisons de sa disparition. Il serait donc hasardeux d’en faire le récit d’une aventure éclair sans autre preuve que l’absence d’autres disques répertoriés.
Reste cet unique témoignage vinyle, quatre titres gravés en 1985, entre synthétiseurs, batterie électronique, guitare et saxophone. Une référence de plus dans les marges de la production new wave française, où des groupes ont parfois laissé derrière eux un seul disque, quelques noms dans une base de données et bien des questions sans réponse.
3 Imaginary Boys
En 1981, trois musiciens du Gloucestershire sortent un 45-tours sous le nom de 3 Imaginary Boys. Le disque, qui associe « Let It Go » et « Against The World », semble avoir laissé peu de traces dans l’histoire du rock britannique. Pas de carrière discographique abondante, pas de postérité manifeste, mais un petit vinyle qui mérite qu’on s’y arrête, notamment pour sa face B, particulièrement recommandée par les rares amateurs qui se sont penchés sur la question
Le groupe est originaire de Cinderford, une petite ville du Forest of Dean, dans le Gloucestershire. Il réunit Oliver « Ollie » Cherer au chant, à la guitare et aux claviers, Steve « Studge » Worgan à la basse et au chant, et Mark « Wog » Worgan à la batterie et au chant. Ce dernier avait auparavant joué dans Trial Offer, une formation qui semble avoir disparu au moment où 3 Imaginary Boys fait son apparition. Steve Worgan poursuivra, lui, son parcours musical au sein de The Dirk Spangle Five. Autant dire que l’on se trouve ici dans les marges d’une scène locale dont les archives n’ont pas nécessairement bénéficié de l’attention accordée aux groupes les plus célèbres de la période.
Le nom de 3 Imaginary Boys évoque évidemment Three Imaginary Boys, le premier album de The Cure, publié en 1979. La proximité chronologique rend le rapprochement tentant, même si rien ne permet d’affirmer qu’il s’agit d’un hommage délibéré. Deux ans après la sortie du disque de Robert Smith et de ses acolytes, le rock britannique continue de se transformer. Le punk a déjà bouleversé les habitudes, la new wave multiplie les combinaisons et le mod revival remet au goût du jour les guitares nerveuses, les mélodies accrocheuses et une certaine élégance pop. C’est dans ce paysage que se situe le 45-tours de 3 Imaginary Boys, entre punk mélodique et power pop, avec des affinités avec le mod revival.
Pour enregistrer ses deux morceaux, le trio se rend aux Loco Studios, à Llanhennock, près d’Usk, au pays de Galles. Le disque paraît en 1981 sous la référence GFI 007. « Let It Go » occupe la face A, tandis que « Against The World » se retrouve au verso. Cette dernière semble avoir particulièrement retenu l’attention des rares chroniqueurs qui ont évoqué le single. Dans un univers où les groupes indépendants peuvent publier un disque sans jamais parvenir à dépasser le cercle de leur entourage immédiat, cette recommandation suffit à donner envie de retourner le 45-tours.
La suite de l’histoire reste incertaine. Les discographies accessibles ne signalent pas d’autre publication sous le nom de 3 Imaginary Boys. Il serait hasardeux d’en conclure que le groupe n’a rien enregistré d’autre ou qu’il s’est séparé immédiatement après la sortie du single. On sait seulement que ses membres ont poursuivi, au moins pour certains, leurs activités musicales dans d’autres formations. Le reste appartient à ces zones grises de l’histoire du rock indépendant britannique, où quelques noms, une référence de catalogue et deux titres constituent parfois l’essentiel des archives disponibles.
Avec son unique 45-tours répertorié, 3 Imaginary Boys incarne ainsi une catégorie familière aux collectionneurs : celle des groupes dont la carrière semble se résumer à un disque, mais dont l’existence témoigne de l’extraordinaire vitalité des scènes locales anglaises au tournant des années 1980. Des formations apparaissent, enregistrent deux chansons, pressent quelques exemplaires et disparaissent des radars, tandis que leurs disques continuent de circuler discrètement, plusieurs décennies plus tard, de collectionneur en collectionneur. Dans le cas de 3 Imaginary Boys, il reste deux titres, un nom qui rappelle peut-être The Cure et une énigme musicale que les archives disponibles ne permettent pas encore de résoudre complètement.
Plaisir Solitaire
En 1984, Plaisir Solitaire fait partie de ces groupes français qui tentent leur chance avec les moyens du bord. Originaire de Tourcoing, le groupe publie cette année-là un 45 tours autoproduit réunissant « Guerre perpétuelle » et « Les Armées de demain », deux titres qui donnent immédiatement une couleur assez particulière au disque.
Pourtant, Plaisir Solitaire ne se résume pas à ces deux chansons. Le groupe est alors constitué de Frank à la batterie, de son frère Karl au chant et à la guitare, de Maixent à la basse et au chant et d'Opritchnick à la guitare et au chant. Une formation à plusieurs voix qui dispose déjà d'un répertoire suffisamment étoffé pour ne pas avoir à s'en remettre uniquement aux morceaux du 45 tours. Sur scène figurent notamment « La Parisienne », « Les Armées de demain », « Les Chinois à Moscou », « Sur les Trottoirs » et « Rien à Redire ».
Après une période d'arrêt, Plaisir Solitaire reprend les concerts et se fait notamment remarquer à Lille, où le groupe se produit à la Boîte à Musique. Son rock est alors décrit comme frais et dynamique, avec des références qui vont de Starshooter à Téléphone. Quelques semaines auparavant, le groupe avait remporté le Festival de Tourcoing, organisé le 25 novembre 1984 devant un jury de 600 personnes. Pour un groupe autoproduit encore loin des circuits de l'industrie discographique, le parcours est plutôt encourageant.
Le contenu du 45 tours va cependant contribuer à lui coller une étiquette dont Plaisir Solitaire cherche manifestement à se débarrasser. Avec « Guerre perpétuelle » et « Les Armées de demain », difficile de ne pas voir dans le groupe une formation particulièrement préoccupée par les questions militaires ou politiques. Pourtant, les autres morceaux du répertoire montrent une palette beaucoup plus large. Les deux titres du single correspondent surtout à une période précise dans l'écriture du groupe et ne constituent pas nécessairement son programme musical.
Cette volonté de ne pas être enfermé dans une catégorie se retrouve aussi dans la musique. Plaisir Solitaire se revendique avant tout comme un groupe de rock et regarde avec une certaine distance la multiplication des étiquettes qui accompagne alors les différentes scènes : new wave, rock, psychédélisme et autres chapelles. Les influences sont à chercher du côté des Who, des Rolling Stones, des Beatles, mais aussi des groupes apparus après 1977. Une culture rock assez large, donc, plutôt qu'une volonté de reproduire un courant précis.
Le groupe évolue à une époque où la situation des jeunes formations françaises n'est pas forcément simple. Après l'explosion punk et new wave de la fin des années 70, les maisons de disques se montrent plus prudentes. Les groupes qui arrivent après la première vague doivent se battre pour attirer leur attention, alors que l'industrie a déjà largement cherché ses nouveaux Téléphone. Pour Plaisir Solitaire, l'autoproduction constitue donc autant une nécessité qu'une manière de tenter d'exister sans attendre qu'une maison de disques vienne frapper à la porte.
Sur scène, le groupe défend une conception énergique du rock mais pas forcément associée à la violence gratuite. L'énergie, le mouvement, le défoulement : oui. La baston et les débordements : beaucoup moins. L'objectif reste finalement celui de beaucoup de groupes de cette époque : jouer fort, jouer devant du monde et faire en sorte que le public passe un bon moment.
Le nom lui-même participe à cette volonté de ne pas trop se prendre au sérieux. Plaisir Solitaire n'a pas vocation à cacher un concept compliqué ou une quelconque théorie. Le groupe y voit surtout une petite provocation, suffisamment ambiguë pour laisser chacun lui donner le sens qu'il souhaite.
Après ce 45 tours, les traces de Plaisir Solitaire deviennent malheureusement beaucoup plus difficiles à suivre. Pas d'album qui permette de prolonger l'expérience, pas de discographie abondante et, semble-t-il, pas de véritable passage dans les circuits professionnels qui aurait permis au groupe de laisser une empreinte plus importante.
Il reste donc ce petit 45 tours autoproduit de 1984, enregistré par un groupe de Tourcoing qui avait déjà quelques concerts, un festival remporté et suffisamment de chansons pour envisager la suite. « Guerre perpétuelle » et « Les Armées de demain » donnent aujourd'hui une image forcément incomplète de Plaisir Solitaire. Deux titres qui ont probablement davantage contribué à définir le groupe dans l'esprit de ceux qui l'ont découvert que les musiciens eux-mêmes ne l'auraient souhaité. Et une nouvelle trace de cette multitude de groupes français qui, au début des années 80, ont sorti un disque, joué quelques concerts et puis se sont presque entièrement volatilisés.
Le 1er single d'O Veux
Ici, on pourra télécharger en Mp3 le 1er single 4 titres des belges d'O Veux !
Foreign Press, épisode 2
J’avais déjà publié quelque chose sur ce groupe mancunien, mais en fouillant un peu plus loin dans leur discographie, je suis retombé sur leur tout premier 45 tours, sorti en 1979 : Downpour / Crossfire / Behind The Glass. Et comme Bouloup a une fâcheuse tendance à revenir sur ses propres traces dès qu’un disque intéressant traîne dans les parages, autant en remettre une couche.
Foreign Press vient de Manchester et débarque au moment précis où le punk commence déjà à chercher la sortie de secours. Formé par d’anciens membres d’Emergency, le groupe conserve quelque chose de l’urgence punk tout en ajoutant des guitares plus aérées, une rythmique sèche et quelques ambiances suffisamment étranges pour que le post-punk ne soit jamais très loin.
Le 45 tours est enregistré au Cargo Studios de Rochdale et coproduit par Rob Gretton, alors DJ au Rafters. Quelques années plus tard, son nom deviendra nettement plus célèbre puisqu’il prendra en charge le management de Joy Division puis de New Order. John Peel et Peter Powell passeront également les morceaux à la BBC, tandis que le NME s’intéressera au groupe. Pour un petit 45 tours indépendant de 1979, le carnet d’adresses n’est donc pas exactement ridicule.
Mais Foreign Press ne connaîtra jamais la trajectoire de certains de leurs voisins mancuniens. Pas de grande carrière, pas de légende Factory, pas de disque devenu incontournable que l’on ressortira régulièrement pour expliquer que tout était déjà là.
Et c’est justement ce qui rend ce 45 tours intéressant aujourd’hui. Trois morceaux coincés quelque part entre punk, post-punk, rock et atmosphères un peu troubles, enregistrés à une époque où Manchester était en train de devenir l’un des endroits les plus excitants du Royaume-Uni.
J’avais donc déjà parlé de Foreign Press. Mais visiblement, je n’avais pas encore parlé de celui-là.
Le clip de Nuit Blanche
Voici le clip de "Toujours Envie" le 2e single de Nuit Blanche sorti en 1985.
Nuit Blanche
Nuit Blanche se forme en juin 1982, à l’occasion de la première Fête de la musique. Les musiciens ne se connaissent pas vraiment avant de se retrouver dans le groupe : certains se rencontrent par petites annonces, dont Michel, le batteur. Une manière assez peu romantique de constituer un groupe, mais qui va plutôt bien fonctionner. Pour leur premier concert, le 23 juin 1982, Nuit Blanche se retrouve devant près de 4 000 personnes. Pas vraiment le genre de début discret que l’on pourrait attendre d’une formation encore inconnue.
Mary Goes Round
À la fin des années 1980, Mary Goes Round se forme autour de Jérôme Avril et Cécile Balladino et commence son parcours sous le nom de Red Light. Leur première apparition scénique a lieu en 1986 au Rex Club, en première partie de Sonic Youth. Le groupe évolue ensuite vers une formule plus dépouillée et apparaît sur les compilations Unreleased avec The Shelter en 1987 puis The Nightmare en 1988.
C'est finalement sous la forme d'un duo composé de Jérôme Avril et Cécile Balladino que Mary Goes Round enregistre Sunset. Les sessions commencent à la fin de 1988 et se poursuivent au début de l'année suivante au Studio du Val d'Orge, à Épinay-sur-Orge. Le studio appartient alors à Jean Taxi, et ce nom fera peut-être écho à certains lecteurs de Bouloup : c'est également dans ce studio que Monkey Business et Stereo Child, deux groupes de l'underground parisien de l'époque, ont enregistré leurs démos. Un petit point de rencontre entre plusieurs histoires musicales qui, à l'époque, n'avaient évidemment pas vocation à se retrouver dans les mêmes pages.
Sunset sort en 1989, d'abord sous la forme d'un mini-LP autoproduit de sept titres distribué par New Rose. On y trouve notamment Mary Sleeps Alone, Dark Times, The Night, The Promised Land, The Great Desire, Sunset et Teardrops Again. Une édition CD publiée par la suite ajoutera cinq morceaux, parmi lesquels The Nightmare, Mary in the Sky, On the Sea, The Shelter et Another Sunset.
La musique de Mary Goes Round repose sur un mélange de guitares mélodiques, de claviers, de rythmiques électroniques et d'atmosphères crépusculaires. La cold wave est bien présente, mais le groupe ne se contente pas d'en appliquer les recettes. Certains morceaux possèdent une dimension plus pop ou psychédélique, avec des mélodies qui viennent adoucir les ambiances sombres. Mary Goes Round se retrouve ainsi à proximité de groupes comme Asylum Party ou Little Nemo, tout en conservant une personnalité propre. Le groupe évolue dans cette scène française de la fin des années 80 où post-punk, new wave, cold wave et pop indépendante se croisent régulièrement.
Avec son premier disque, Mary Goes Round laisse le souvenir d'un groupe qui avait trouvé un équilibre assez personnel entre mélodies pop, guitares, claviers et atmosphères plus sombres. Sunset reste surtout l'un de ces disques qui permettent de replonger dans une scène française de la fin des années 80 beaucoup plus riche qu'on ne pourrait l'imaginer aujourd'hui, avec ses petits labels, ses compilations, ses studios et tous ces groupes qui enregistraient parfois quelques morceaux sans savoir quelle place ils occuperaient, ou non, dans l'histoire.
La suite de l'histoire va cependant assez rapidement éloigner Mary Goes Round de l'atmosphère la plus ouvertement cold wave de ses débuts. Quelques mois seulement après Sunset, le groupe publie 70 Suns in the Sky chez Lively Art. Sorti en novembre 1989, ce premier véritable album aligne notamment Mary's Garden, On My Way Back Home, Useless Day, Clouds & Clouds, Who Believes in Better Days?, Eagle, Any Mary I See, Nightfall et Kiss Me Love. Le disque reste ancré dans la new wave, mais le groupe y affirme déjà une envie de sortir du cadre. Les guitares prennent davantage de place, les rythmiques se font plus nerveuses et certaines chansons lorgnent franchement vers le rock. La reprise du Nile Song de Pink Floyd donne également une indication sur cette volonté d'aller voir ailleurs.
En 1990, Mary Goes Round poursuit dans cette direction avec le maxi Hot Shot in Space, avant de publier Highway Planet. Ce dernier disque accentue encore le côté rock du groupe. Mary Soul Damage, Is Mary Magic?, Orange Car, Shut Up and Die ou Kiss and Kill montrent un groupe qui s'éloigne progressivement de l'image cold wave qui lui est souvent accolée aujourd'hui. Même si les claviers et certaines atmosphères restent présents, le son devient plus direct et plus électrique.
En 1991 paraît Mary in Wonderland, dernier album du groupe. Cette fois, l'évolution est particulièrement nette. Mary Goes Round semble vouloir assumer davantage le côté rock de sa musique, avec une approche plus brute qui tranche avec les premières productions. Rock Made in France évoque même un rapprochement avec le garage rock des Troggs. Cette évolution explique peut-être aussi pourquoi il est finalement assez réducteur de résumer Mary Goes Round à la seule scène Touching Pop : le groupe n'a cessé de déplacer ses propres frontières au fil des disques.
L'aventure s'arrête en 1993 avec le départ de Cécile Balladino. Dans une interview publiée en 2011, elle explique qu'elle avait commencé à avoir envie d'autre chose depuis plusieurs mois et qu'elle préférait arrêter plutôt que d'enregistrer un nouvel album avec le sentiment que l'énergie des débuts n'était plus là. Jérôme Avril tente alors de poursuivre, mais un concert suffit finalement à montrer que la formule ne fonctionne plus de la même manière. Mary Goes Round disparaît ainsi après quelques années seulement, laissant derrière elle quatre albums, un maxi et une poignée de titres qui auront accompagné une partie de la scène alternative française de la fin des années 80 et du début des années 90.
L'histoire ne s'arrête pourtant pas complètement pour Jérôme Avril. Il poursuit ensuite son activité musicale sous le nom de Brachko. Le catalogue de Mary Goes Round a par ailleurs été réédité en 2007 par Infrastition sous la forme de deux doubles CD, Way to Wonderland et Way Back Home. Plus récemment, Avril a remis en ligne une partie importante du catalogue, permettant de retrouver Sunset, 70 Suns in the Sky, Highway Planet et Mary in Wonderland, mais aussi des enregistrements plus tardifs associés à Brachko.
Avec le recul, la trajectoire de Mary Goes Round est donc peut-être plus intéressante que la simple étiquette « cold wave française » souvent utilisée pour les présenter. Parti d'une scène où les guitares froides, les claviers et les boîtes à rythmes étaient encore largement associés à la new wave, le groupe s'est progressivement dirigé vers un rock plus affirmé avant de disparaître. Sunset constitue le point de départ de cette histoire, mais les disques qui suivent montrent surtout un groupe qui cherchait encore sa direction au moment même où il commençait à être identifié.
Cone Blanc
Quel étrange tître pour une chanson. Voici "Cone Blanc" extrait du premier long des fabuleux Dazibao sorti en 1986 !
Das Kabinette sur le site de Minimal Wave Records
J'ai trouvé ce texte sur le site du très bon label Minimal Wave Records. Je l'ai traduit en français pour plus de facilité !
"Alors que nous étions étudiants au Blackpool Art College en 1981, Dave, Craig et moi-même (Mick) avons rapidement découvert que nous partagions deux passions : la musique et les vieux pubs anglais. En peu de temps, notre logement étudiant commun s’est retrouvé encombré d’instruments, sous un véritable nid de câbles et de matériel d’enregistrement. Plus tard, armés de nos chèques de bourse étudiante durement gagnés, nous avons réservé des heures d’enregistrement au Sunset Sound Studios, le studio local. En mélangeant synthétiseurs et boîte à rythmes avec des guitares, DAS KABINETTE est né.
Notre deuxième passage en studio, en 1983, a donné naissance à « The Cabinet » ainsi qu’à une version remixée de « Fudge It » (une expression utilisée à l’université pour dire « tricher »). Nous étions tous les trois fascinés par « Le Cabinet du docteur Caligari », avec son histoire tortueuse de folie et ses images inoubliables, et c’est ce thème que nous avons repris pour notre démo. Dave a réalisé la pochette et Craig s’est chargé de faire presser 500 exemplaires vinyle du single sur notre propre label, Klosette Records. Pendant plusieurs mois, nous avons proposé « The Cabinet » aux DJ de clubs et de radios et envoyé des exemplaires à des départements A&R qui se sont, pour la plupart, montrés peu réceptifs. Nous avons toutefois trouvé une alliée en la personne de Janice Long, de BBC Radio 1, qui l’a diffusé à plusieurs reprises.
Au fil des années qui ont suivi, d’innombrables histoires nous sont parvenues au sujet de la popularité légendaire de « The Cabinet », qui a mystérieusement circulé à travers l’Europe d’une manière que nous n’aurions jamais pu imaginer.
Une vidéo universitaire primitive, autoproduite, du morceau est disponible sur YouTube. L’amie de la fac qui joue le rôle de « Jane » dans la vidéo est devenue, peu après le tournage, la compagne de longue date de Gary Numan. Après avoir entendu une autre de nos démos, il nous a invités à enregistrer notre session suivante au Rock City Studio de Shepperton, aux débuts de son label Numa.
Après avoir quitté l’université, désormais munis d’emplois à temps plein et de salaires réguliers, nous avons continué à enregistrer de manière sporadique aux Cavalier Studios, près de Manchester. Un album complet, « Sexual Desert », a finalement vu le jour en 1986, mais il n’est toujours pas sorti à ce jour.
Avec l’arrivée de matériel plus moderne et de l’échantillonnage, nous avons senti que notre musique s’éloignait progressivement de l’identité de Das Kabinette. En 1987, nous sommes donc devenus DANGEROUS GROUND.
Le groupe a sorti trois singles sur son propre label, DG Records, distribués par Rough Trade. Nous avons tourné un clip pour le morceau « Big Fun », qui a été diffusé à de nombreuses reprises sur MTV à travers l’Europe et que l’on peut également trouver sur YouTube. Un clip pour « Unfaithfully Yours », réalisé à une époque où cette technologie n’en était qu’à ses débuts, a été présenté comme le premier clip vidéo en 3D au monde — contrairement à ce que prétend la « connaissance populaire ».
Une apparition dans la célèbre mais malheureuse Radio Luxembourg, ainsi qu’une session pour BBC Radio 1 avec le légendaire « Whispering » Bob Harris, ont marqué la fin de cette incarnation du groupe. Enregistré aux Charlotte Street Studios de Londres et mixé aux Amazon Studios de Liverpool, l’album « The Pleasure & the Pain » reste lui aussi inédit à ce jour.
Pour le plaisir, Dave et moi continuons à enregistrer quantité de projets solo ainsi que des morceaux ensemble sous le nom de MUTANT SUITS, simplement pour le plaisir de créer de nouvelles musiques, une activité qui ne cesse de nous enthousiasmer. Les trois membres originaux de Das Kabinette sont toujours les meilleurs amis du monde et, le week-end venu, nous nous adonnons régulièrement à notre autre passion : le pub."
Living Colour
À la fin des années 80, Living Colour arrive de New York avec une drôle de façon de faire du rock. Pas vraiment hard rock, pas vraiment funk, pas vraiment punk, pas vraiment metal, pas vraiment jazz et certainement pas assez sage pour entrer dans une seule case. Derrière ce mélange, on trouve le guitariste Vernon Reid, musicien de la scène expérimentale new-yorkaise et l'un des fondateurs de la Black Rock Coalition, Corey Glover au chant, Muzz Skillings à la basse et Will Calhoun à la batterie. Un groupe qui, à une époque où le rock grand public reste largement dominé par des musiciens blancs, va rapidement se retrouver sous les projecteurs.
Formé en 1984, Living Colour se fait d'abord les dents dans les clubs new-yorkais, notamment au CBGB's. C'est là que le groupe développe ce son difficile à définir qui deviendra sa marque de fabrique : des riffs lourds, une section rythmique très funk, des influences jazz, des accélérations punk, quelques incursions dans le rap et une bonne dose d'expérimentation. Le groupe attire finalement l'attention de Mick Jagger, qui assiste à plusieurs de leurs concerts. Il produit une première démo et contribue à leur permettre de signer chez Epic.
Le premier album, Vivid, paraît en 1988 et va transformer un groupe de clubs new-yorkais en phénomène national. L'album mélange hard rock, funk, metal, soul, punk, reggae et hip-hop sans avoir l'air de demander la permission à qui que ce soit. Mick Jagger participe d'ailleurs au disque, notamment aux chœurs et à l'harmonica. Mais c'est surtout Cult of Personality qui va faire entrer Living Colour dans une autre dimension. Avec son énorme riff de guitare, son groove élastique et le chant de Corey Glover, le morceau devient un succès et atteint la 13e place du Billboard Hot 100. Il remportera même le Grammy de la meilleure performance hard rock.
Cult of Personality ne doit pourtant pas faire oublier le reste du disque. Open Letter (To a Landlord) évoque notamment les rapports de classe et les conditions de vie dans les quartiers new-yorkais, Funny Vibe s'attaque frontalement au racisme, tandis que Glamour Boys, Middle Man ou Which Way to America? montrent un groupe beaucoup moins intéressé par les conventions du hard rock que par la possibilité de faire passer ses idées à travers une musique constamment en mouvement. Leur reprise de Memories Can't Wait des Talking Heads rappelle également que leurs racines se trouvent autant dans la scène alternative new-yorkaise que dans le rock lourd.
Le succès de Living Colour est d'autant plus remarquable que le groupe apparaît dans un univers où les musiciens noirs restent largement cantonnés, dans l'industrie musicale, au funk, à la soul, au R&B ou au hip-hop. Vernon Reid connaît parfaitement cette situation. La Black Rock Coalition, qu'il contribue à créer, cherche justement à soutenir les artistes noirs évoluant dans des musiques comme le rock, le punk, le jazz expérimental ou le metal. Living Colour devient alors, malgré lui ou presque, une sorte de démonstration grandeur nature de l'absurdité des frontières musicales.
Time's Up, en 1990, confirme que Vivid n'était pas un accident. Le deuxième album pousse encore plus loin le mélange des genres et permet au groupe de décrocher un nouveau Grammy. Living Colour participe également à la première tournée Lollapalooza en 1991, aux côtés de plusieurs formations qui incarnent alors le renouvellement du rock américain. En 1993, Stain propose une version plus sombre et agressive du groupe, avant une première séparation en 1995.
Living Colour se reformera finalement en 2000 et poursuivra son histoire avec Doug Wimbish à la basse, celui-ci ayant remplacé Muzz Skillings. Collideøscope sort en 2003, suivi de The Chair in the Doorway en 2009 puis de Shade en 2017. Vernon Reid, Corey Glover et Will Calhoun sont toujours au cœur de cette formation qui n'a jamais vraiment accepté l'idée qu'il fallait choisir entre le rock, le funk, le jazz, le punk ou le hip-hop.
Avec Living Colour, le plus intéressant n'est donc peut-être pas Cult of Personality, pourtant devenu leur morceau emblématique, mais la manière dont le groupe a réussi à transformer tout ce qui l'entourait en matière première. À la fin des années 80, alors que chacun semblait encore devoir choisir son rayon dans le grand supermarché des genres musicaux, Living Colour avait simplement décidé de prendre le chariot entier.
Le single de Metro
Ici, on pourra télécharger en mp3 le maxi-single 3 titres des espagnols de Metro sorti en 1984 !
The Dance All Of The Dead
Nouvel extrait du long des David Vincent : "Ourouni" sorti chez New Rose en 1990 !
Carol
Il n’y a presque rien à raconter sur Carol, et c’est probablement ce qui rend ce 45 tours aussi intriguant. En 1981 ou 1982 selon les sources, un disque apparaît en Belgique avec deux titres, « Breakdown » et « So Low ». Pas de biographie détaillée, pas de carrière discographique à rallonge, pas de photos permettant vraiment de mettre un visage sur le nom. Juste ces deux morceaux et une atmosphère particulièrement étrange.
Derrière Carol se trouve notamment Micky Mike, pseudonyme de Marcel Thiel, musicien de l’underground belge qui deviendra plus tard beaucoup plus connu sous le nom de Snowy Red. Ici, il délaisse en partie l’énergie punk pour bricoler une musique électronique minimale, froide et dépouillée. Carol assure le chant tandis que Micky Mike s’occupe des machines. Le résultat tient davantage de l’expérimentation que de la chanson pop traditionnelle.
« Breakdown », placé en face A, repose sur une rythmique sèche et une électronique rudimentaire, avec cette sensation très particulière des premiers enregistrements minimal synth : peu de moyens, peu d’éléments, mais suffisamment d’espace entre eux pour que chaque son prenne de l’importance. « So Low », en face B, pousse encore plus loin cette économie de moyens. Le morceau est plus lent, plus sombre, presque immobile, et la voix de Carol semble flotter au-dessus d’une mécanique électronique réduite à l’essentiel.
Le disque appartient à cette période fascinante où certains musiciens issus du punk et de la new wave commencent à utiliser les synthétiseurs, les boîtes à rythmes et les premiers équipements électroniques accessibles pour fabriquer une musique qui ne ressemble pas encore vraiment à ce que l’on appellera plus tard le minimal synth. En Belgique, cette scène va progressivement devenir particulièrement active, mais Carol reste un projet à part, pratiquement sans lendemain.
C’est surtout « So Low » qui va finir par attirer l’attention des collectionneurs et des amateurs de musiques électroniques obscures. Le morceau réapparaît au fil des années dans des sélections consacrées à la cold wave et au minimal synth, tandis que le 45 tours original devient difficile à trouver. Le peu d’informations disponibles autour de Carol ne fait qu’ajouter au charme de l’affaire : qui était réellement Carol, comment le projet est-il né et pourquoi s’est-il arrêté après ces deux titres ? Les réponses restent difficiles à trouver.
Il faudra attendre 2016 pour que Weyrd Son Records, label bruxellois particulièrement attentif aux recoins oubliés de la musique électronique belge, réédite « Breakdown / So Low ». Plus de trente ans après sa sortie supposée, le disque peut enfin être redécouvert par un nouveau public.
Carol fait ainsi partie de ces petits objets musicaux qui semblent avoir été enregistrés presque en dehors de leur époque. Deux morceaux, une poignée de musiciens, très peu d’informations et une musique qui, plusieurs décennies plus tard, continue de sonner aussi dépouillée qu’étrange. Dans le grand inventaire de l’underground belge du début des années 80, « Breakdown / So Low » est une petite anomalie. Et comme souvent avec les anomalies, on a davantage envie de l’écouter que de chercher à tout expliquer.
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