Plaisir Solitaire
En 1984, Plaisir Solitaire fait partie de ces groupes français qui tentent leur chance avec les moyens du bord. Originaire de Tourcoing, le groupe publie cette année-là un 45 tours autoproduit réunissant « Guerre perpétuelle » et « Les Armées de demain », deux titres qui donnent immédiatement une couleur assez particulière au disque.
Pourtant, Plaisir Solitaire ne se résume pas à ces deux chansons. Le groupe est alors constitué de Frank à la batterie, de son frère Karl au chant et à la guitare, de Maixent à la basse et au chant et d'Opritchnick à la guitare et au chant. Une formation à plusieurs voix qui dispose déjà d'un répertoire suffisamment étoffé pour ne pas avoir à s'en remettre uniquement aux morceaux du 45 tours. Sur scène figurent notamment « La Parisienne », « Les Armées de demain », « Les Chinois à Moscou », « Sur les Trottoirs » et « Rien à Redire ».
Après une période d'arrêt, Plaisir Solitaire reprend les concerts et se fait notamment remarquer à Lille, où le groupe se produit à la Boîte à Musique. Son rock est alors décrit comme frais et dynamique, avec des références qui vont de Starshooter à Téléphone. Quelques semaines auparavant, le groupe avait remporté le Festival de Tourcoing, organisé le 25 novembre 1984 devant un jury de 600 personnes. Pour un groupe autoproduit encore loin des circuits de l'industrie discographique, le parcours est plutôt encourageant.
Le contenu du 45 tours va cependant contribuer à lui coller une étiquette dont Plaisir Solitaire cherche manifestement à se débarrasser. Avec « Guerre perpétuelle » et « Les Armées de demain », difficile de ne pas voir dans le groupe une formation particulièrement préoccupée par les questions militaires ou politiques. Pourtant, les autres morceaux du répertoire montrent une palette beaucoup plus large. Les deux titres du single correspondent surtout à une période précise dans l'écriture du groupe et ne constituent pas nécessairement son programme musical.
Cette volonté de ne pas être enfermé dans une catégorie se retrouve aussi dans la musique. Plaisir Solitaire se revendique avant tout comme un groupe de rock et regarde avec une certaine distance la multiplication des étiquettes qui accompagne alors les différentes scènes : new wave, rock, psychédélisme et autres chapelles. Les influences sont à chercher du côté des Who, des Rolling Stones, des Beatles, mais aussi des groupes apparus après 1977. Une culture rock assez large, donc, plutôt qu'une volonté de reproduire un courant précis.
Le groupe évolue à une époque où la situation des jeunes formations françaises n'est pas forcément simple. Après l'explosion punk et new wave de la fin des années 70, les maisons de disques se montrent plus prudentes. Les groupes qui arrivent après la première vague doivent se battre pour attirer leur attention, alors que l'industrie a déjà largement cherché ses nouveaux Téléphone. Pour Plaisir Solitaire, l'autoproduction constitue donc autant une nécessité qu'une manière de tenter d'exister sans attendre qu'une maison de disques vienne frapper à la porte.
Sur scène, le groupe défend une conception énergique du rock mais pas forcément associée à la violence gratuite. L'énergie, le mouvement, le défoulement : oui. La baston et les débordements : beaucoup moins. L'objectif reste finalement celui de beaucoup de groupes de cette époque : jouer fort, jouer devant du monde et faire en sorte que le public passe un bon moment.
Le nom lui-même participe à cette volonté de ne pas trop se prendre au sérieux. Plaisir Solitaire n'a pas vocation à cacher un concept compliqué ou une quelconque théorie. Le groupe y voit surtout une petite provocation, suffisamment ambiguë pour laisser chacun lui donner le sens qu'il souhaite.
Après ce 45 tours, les traces de Plaisir Solitaire deviennent malheureusement beaucoup plus difficiles à suivre. Pas d'album qui permette de prolonger l'expérience, pas de discographie abondante et, semble-t-il, pas de véritable passage dans les circuits professionnels qui aurait permis au groupe de laisser une empreinte plus importante.
Il reste donc ce petit 45 tours autoproduit de 1984, enregistré par un groupe de Tourcoing qui avait déjà quelques concerts, un festival remporté et suffisamment de chansons pour envisager la suite. « Guerre perpétuelle » et « Les Armées de demain » donnent aujourd'hui une image forcément incomplète de Plaisir Solitaire. Deux titres qui ont probablement davantage contribué à définir le groupe dans l'esprit de ceux qui l'ont découvert que les musiciens eux-mêmes ne l'auraient souhaité. Et une nouvelle trace de cette multitude de groupes français qui, au début des années 80, ont sorti un disque, joué quelques concerts et puis se sont presque entièrement volatilisés.
Le 1er single d'O Veux
Ici, on pourra télécharger en Mp3 le 1er single 4 titres des belges d'O Veux !
Foreign Press, épisode 2
J’avais déjà publié quelque chose sur ce groupe mancunien, mais en fouillant un peu plus loin dans leur discographie, je suis retombé sur leur tout premier 45 tours, sorti en 1979 : Downpour / Crossfire / Behind The Glass. Et comme Bouloup a une fâcheuse tendance à revenir sur ses propres traces dès qu’un disque intéressant traîne dans les parages, autant en remettre une couche.
Foreign Press vient de Manchester et débarque au moment précis où le punk commence déjà à chercher la sortie de secours. Formé par d’anciens membres d’Emergency, le groupe conserve quelque chose de l’urgence punk tout en ajoutant des guitares plus aérées, une rythmique sèche et quelques ambiances suffisamment étranges pour que le post-punk ne soit jamais très loin.
Le 45 tours est enregistré au Cargo Studios de Rochdale et coproduit par Rob Gretton, alors DJ au Rafters. Quelques années plus tard, son nom deviendra nettement plus célèbre puisqu’il prendra en charge le management de Joy Division puis de New Order. John Peel et Peter Powell passeront également les morceaux à la BBC, tandis que le NME s’intéressera au groupe. Pour un petit 45 tours indépendant de 1979, le carnet d’adresses n’est donc pas exactement ridicule.
Mais Foreign Press ne connaîtra jamais la trajectoire de certains de leurs voisins mancuniens. Pas de grande carrière, pas de légende Factory, pas de disque devenu incontournable que l’on ressortira régulièrement pour expliquer que tout était déjà là.
Et c’est justement ce qui rend ce 45 tours intéressant aujourd’hui. Trois morceaux coincés quelque part entre punk, post-punk, rock et atmosphères un peu troubles, enregistrés à une époque où Manchester était en train de devenir l’un des endroits les plus excitants du Royaume-Uni.
J’avais donc déjà parlé de Foreign Press. Mais visiblement, je n’avais pas encore parlé de celui-là.
Le clip de Nuit Blanche
Voici le clip de "Toujours Envie" le 2e single de Nuit Blanche sorti en 1985.
Nuit Blanche
Nuit Blanche se forme en juin 1982, à l’occasion de la première Fête de la musique. Les musiciens ne se connaissent pas vraiment avant de se retrouver dans le groupe : certains se rencontrent par petites annonces, dont Michel, le batteur. Une manière assez peu romantique de constituer un groupe, mais qui va plutôt bien fonctionner. Pour leur premier concert, le 23 juin 1982, Nuit Blanche se retrouve devant près de 4 000 personnes. Pas vraiment le genre de début discret que l’on pourrait attendre d’une formation encore inconnue.
Mary Goes Round
À la fin des années 1980, Mary Goes Round se forme autour de Jérôme Avril et Cécile Balladino et commence son parcours sous le nom de Red Light. Leur première apparition scénique a lieu en 1986 au Rex Club, en première partie de Sonic Youth. Le groupe évolue ensuite vers une formule plus dépouillée et apparaît sur les compilations Unreleased avec The Shelter en 1987 puis The Nightmare en 1988.
C'est finalement sous la forme d'un duo composé de Jérôme Avril et Cécile Balladino que Mary Goes Round enregistre Sunset. Les sessions commencent à la fin de 1988 et se poursuivent au début de l'année suivante au Studio du Val d'Orge, à Épinay-sur-Orge. Le studio appartient alors à Jean Taxi, et ce nom fera peut-être écho à certains lecteurs de Bouloup : c'est également dans ce studio que Monkey Business et Stereo Child, deux groupes de l'underground parisien de l'époque, ont enregistré leurs démos. Un petit point de rencontre entre plusieurs histoires musicales qui, à l'époque, n'avaient évidemment pas vocation à se retrouver dans les mêmes pages.
Sunset sort en 1989, d'abord sous la forme d'un mini-LP autoproduit de sept titres distribué par New Rose. On y trouve notamment Mary Sleeps Alone, Dark Times, The Night, The Promised Land, The Great Desire, Sunset et Teardrops Again. Une édition CD publiée par la suite ajoutera cinq morceaux, parmi lesquels The Nightmare, Mary in the Sky, On the Sea, The Shelter et Another Sunset.
La musique de Mary Goes Round repose sur un mélange de guitares mélodiques, de claviers, de rythmiques électroniques et d'atmosphères crépusculaires. La cold wave est bien présente, mais le groupe ne se contente pas d'en appliquer les recettes. Certains morceaux possèdent une dimension plus pop ou psychédélique, avec des mélodies qui viennent adoucir les ambiances sombres. Mary Goes Round se retrouve ainsi à proximité de groupes comme Asylum Party ou Little Nemo, tout en conservant une personnalité propre. Le groupe évolue dans cette scène française de la fin des années 80 où post-punk, new wave, cold wave et pop indépendante se croisent régulièrement.
Avec son premier disque, Mary Goes Round laisse le souvenir d'un groupe qui avait trouvé un équilibre assez personnel entre mélodies pop, guitares, claviers et atmosphères plus sombres. Sunset reste surtout l'un de ces disques qui permettent de replonger dans une scène française de la fin des années 80 beaucoup plus riche qu'on ne pourrait l'imaginer aujourd'hui, avec ses petits labels, ses compilations, ses studios et tous ces groupes qui enregistraient parfois quelques morceaux sans savoir quelle place ils occuperaient, ou non, dans l'histoire.
La suite de l'histoire va cependant assez rapidement éloigner Mary Goes Round de l'atmosphère la plus ouvertement cold wave de ses débuts. Quelques mois seulement après Sunset, le groupe publie 70 Suns in the Sky chez Lively Art. Sorti en novembre 1989, ce premier véritable album aligne notamment Mary's Garden, On My Way Back Home, Useless Day, Clouds & Clouds, Who Believes in Better Days?, Eagle, Any Mary I See, Nightfall et Kiss Me Love. Le disque reste ancré dans la new wave, mais le groupe y affirme déjà une envie de sortir du cadre. Les guitares prennent davantage de place, les rythmiques se font plus nerveuses et certaines chansons lorgnent franchement vers le rock. La reprise du Nile Song de Pink Floyd donne également une indication sur cette volonté d'aller voir ailleurs.
En 1990, Mary Goes Round poursuit dans cette direction avec le maxi Hot Shot in Space, avant de publier Highway Planet. Ce dernier disque accentue encore le côté rock du groupe. Mary Soul Damage, Is Mary Magic?, Orange Car, Shut Up and Die ou Kiss and Kill montrent un groupe qui s'éloigne progressivement de l'image cold wave qui lui est souvent accolée aujourd'hui. Même si les claviers et certaines atmosphères restent présents, le son devient plus direct et plus électrique.
En 1991 paraît Mary in Wonderland, dernier album du groupe. Cette fois, l'évolution est particulièrement nette. Mary Goes Round semble vouloir assumer davantage le côté rock de sa musique, avec une approche plus brute qui tranche avec les premières productions. Rock Made in France évoque même un rapprochement avec le garage rock des Troggs. Cette évolution explique peut-être aussi pourquoi il est finalement assez réducteur de résumer Mary Goes Round à la seule scène Touching Pop : le groupe n'a cessé de déplacer ses propres frontières au fil des disques.
L'aventure s'arrête en 1993 avec le départ de Cécile Balladino. Dans une interview publiée en 2011, elle explique qu'elle avait commencé à avoir envie d'autre chose depuis plusieurs mois et qu'elle préférait arrêter plutôt que d'enregistrer un nouvel album avec le sentiment que l'énergie des débuts n'était plus là. Jérôme Avril tente alors de poursuivre, mais un concert suffit finalement à montrer que la formule ne fonctionne plus de la même manière. Mary Goes Round disparaît ainsi après quelques années seulement, laissant derrière elle quatre albums, un maxi et une poignée de titres qui auront accompagné une partie de la scène alternative française de la fin des années 80 et du début des années 90.
L'histoire ne s'arrête pourtant pas complètement pour Jérôme Avril. Il poursuit ensuite son activité musicale sous le nom de Brachko. Le catalogue de Mary Goes Round a par ailleurs été réédité en 2007 par Infrastition sous la forme de deux doubles CD, Way to Wonderland et Way Back Home. Plus récemment, Avril a remis en ligne une partie importante du catalogue, permettant de retrouver Sunset, 70 Suns in the Sky, Highway Planet et Mary in Wonderland, mais aussi des enregistrements plus tardifs associés à Brachko.
Avec le recul, la trajectoire de Mary Goes Round est donc peut-être plus intéressante que la simple étiquette « cold wave française » souvent utilisée pour les présenter. Parti d'une scène où les guitares froides, les claviers et les boîtes à rythmes étaient encore largement associés à la new wave, le groupe s'est progressivement dirigé vers un rock plus affirmé avant de disparaître. Sunset constitue le point de départ de cette histoire, mais les disques qui suivent montrent surtout un groupe qui cherchait encore sa direction au moment même où il commençait à être identifié.
Cone Blanc
Quel étrange tître pour une chanson. Voici "Cone Blanc" extrait du premier long des fabuleux Dazibao sorti en 1986 !
Das Kabinette sur le site de Minimal Wave Records
J'ai trouvé ce texte sur le site du très bon label Minimal Wave Records. Je l'ai traduit en français pour plus de facilité !
"Alors que nous étions étudiants au Blackpool Art College en 1981, Dave, Craig et moi-même (Mick) avons rapidement découvert que nous partagions deux passions : la musique et les vieux pubs anglais. En peu de temps, notre logement étudiant commun s’est retrouvé encombré d’instruments, sous un véritable nid de câbles et de matériel d’enregistrement. Plus tard, armés de nos chèques de bourse étudiante durement gagnés, nous avons réservé des heures d’enregistrement au Sunset Sound Studios, le studio local. En mélangeant synthétiseurs et boîte à rythmes avec des guitares, DAS KABINETTE est né.
Notre deuxième passage en studio, en 1983, a donné naissance à « The Cabinet » ainsi qu’à une version remixée de « Fudge It » (une expression utilisée à l’université pour dire « tricher »). Nous étions tous les trois fascinés par « Le Cabinet du docteur Caligari », avec son histoire tortueuse de folie et ses images inoubliables, et c’est ce thème que nous avons repris pour notre démo. Dave a réalisé la pochette et Craig s’est chargé de faire presser 500 exemplaires vinyle du single sur notre propre label, Klosette Records. Pendant plusieurs mois, nous avons proposé « The Cabinet » aux DJ de clubs et de radios et envoyé des exemplaires à des départements A&R qui se sont, pour la plupart, montrés peu réceptifs. Nous avons toutefois trouvé une alliée en la personne de Janice Long, de BBC Radio 1, qui l’a diffusé à plusieurs reprises.
Au fil des années qui ont suivi, d’innombrables histoires nous sont parvenues au sujet de la popularité légendaire de « The Cabinet », qui a mystérieusement circulé à travers l’Europe d’une manière que nous n’aurions jamais pu imaginer.
Une vidéo universitaire primitive, autoproduite, du morceau est disponible sur YouTube. L’amie de la fac qui joue le rôle de « Jane » dans la vidéo est devenue, peu après le tournage, la compagne de longue date de Gary Numan. Après avoir entendu une autre de nos démos, il nous a invités à enregistrer notre session suivante au Rock City Studio de Shepperton, aux débuts de son label Numa.
Après avoir quitté l’université, désormais munis d’emplois à temps plein et de salaires réguliers, nous avons continué à enregistrer de manière sporadique aux Cavalier Studios, près de Manchester. Un album complet, « Sexual Desert », a finalement vu le jour en 1986, mais il n’est toujours pas sorti à ce jour.
Avec l’arrivée de matériel plus moderne et de l’échantillonnage, nous avons senti que notre musique s’éloignait progressivement de l’identité de Das Kabinette. En 1987, nous sommes donc devenus DANGEROUS GROUND.
Le groupe a sorti trois singles sur son propre label, DG Records, distribués par Rough Trade. Nous avons tourné un clip pour le morceau « Big Fun », qui a été diffusé à de nombreuses reprises sur MTV à travers l’Europe et que l’on peut également trouver sur YouTube. Un clip pour « Unfaithfully Yours », réalisé à une époque où cette technologie n’en était qu’à ses débuts, a été présenté comme le premier clip vidéo en 3D au monde — contrairement à ce que prétend la « connaissance populaire ».
Une apparition dans la célèbre mais malheureuse Radio Luxembourg, ainsi qu’une session pour BBC Radio 1 avec le légendaire « Whispering » Bob Harris, ont marqué la fin de cette incarnation du groupe. Enregistré aux Charlotte Street Studios de Londres et mixé aux Amazon Studios de Liverpool, l’album « The Pleasure & the Pain » reste lui aussi inédit à ce jour.
Pour le plaisir, Dave et moi continuons à enregistrer quantité de projets solo ainsi que des morceaux ensemble sous le nom de MUTANT SUITS, simplement pour le plaisir de créer de nouvelles musiques, une activité qui ne cesse de nous enthousiasmer. Les trois membres originaux de Das Kabinette sont toujours les meilleurs amis du monde et, le week-end venu, nous nous adonnons régulièrement à notre autre passion : le pub."
Living Colour
À la fin des années 80, Living Colour arrive de New York avec une drôle de façon de faire du rock. Pas vraiment hard rock, pas vraiment funk, pas vraiment punk, pas vraiment metal, pas vraiment jazz et certainement pas assez sage pour entrer dans une seule case. Derrière ce mélange, on trouve le guitariste Vernon Reid, musicien de la scène expérimentale new-yorkaise et l'un des fondateurs de la Black Rock Coalition, Corey Glover au chant, Muzz Skillings à la basse et Will Calhoun à la batterie. Un groupe qui, à une époque où le rock grand public reste largement dominé par des musiciens blancs, va rapidement se retrouver sous les projecteurs.
Formé en 1984, Living Colour se fait d'abord les dents dans les clubs new-yorkais, notamment au CBGB's. C'est là que le groupe développe ce son difficile à définir qui deviendra sa marque de fabrique : des riffs lourds, une section rythmique très funk, des influences jazz, des accélérations punk, quelques incursions dans le rap et une bonne dose d'expérimentation. Le groupe attire finalement l'attention de Mick Jagger, qui assiste à plusieurs de leurs concerts. Il produit une première démo et contribue à leur permettre de signer chez Epic.
Le premier album, Vivid, paraît en 1988 et va transformer un groupe de clubs new-yorkais en phénomène national. L'album mélange hard rock, funk, metal, soul, punk, reggae et hip-hop sans avoir l'air de demander la permission à qui que ce soit. Mick Jagger participe d'ailleurs au disque, notamment aux chœurs et à l'harmonica. Mais c'est surtout Cult of Personality qui va faire entrer Living Colour dans une autre dimension. Avec son énorme riff de guitare, son groove élastique et le chant de Corey Glover, le morceau devient un succès et atteint la 13e place du Billboard Hot 100. Il remportera même le Grammy de la meilleure performance hard rock.
Cult of Personality ne doit pourtant pas faire oublier le reste du disque. Open Letter (To a Landlord) évoque notamment les rapports de classe et les conditions de vie dans les quartiers new-yorkais, Funny Vibe s'attaque frontalement au racisme, tandis que Glamour Boys, Middle Man ou Which Way to America? montrent un groupe beaucoup moins intéressé par les conventions du hard rock que par la possibilité de faire passer ses idées à travers une musique constamment en mouvement. Leur reprise de Memories Can't Wait des Talking Heads rappelle également que leurs racines se trouvent autant dans la scène alternative new-yorkaise que dans le rock lourd.
Le succès de Living Colour est d'autant plus remarquable que le groupe apparaît dans un univers où les musiciens noirs restent largement cantonnés, dans l'industrie musicale, au funk, à la soul, au R&B ou au hip-hop. Vernon Reid connaît parfaitement cette situation. La Black Rock Coalition, qu'il contribue à créer, cherche justement à soutenir les artistes noirs évoluant dans des musiques comme le rock, le punk, le jazz expérimental ou le metal. Living Colour devient alors, malgré lui ou presque, une sorte de démonstration grandeur nature de l'absurdité des frontières musicales.
Time's Up, en 1990, confirme que Vivid n'était pas un accident. Le deuxième album pousse encore plus loin le mélange des genres et permet au groupe de décrocher un nouveau Grammy. Living Colour participe également à la première tournée Lollapalooza en 1991, aux côtés de plusieurs formations qui incarnent alors le renouvellement du rock américain. En 1993, Stain propose une version plus sombre et agressive du groupe, avant une première séparation en 1995.
Living Colour se reformera finalement en 2000 et poursuivra son histoire avec Doug Wimbish à la basse, celui-ci ayant remplacé Muzz Skillings. Collideøscope sort en 2003, suivi de The Chair in the Doorway en 2009 puis de Shade en 2017. Vernon Reid, Corey Glover et Will Calhoun sont toujours au cœur de cette formation qui n'a jamais vraiment accepté l'idée qu'il fallait choisir entre le rock, le funk, le jazz, le punk ou le hip-hop.
Avec Living Colour, le plus intéressant n'est donc peut-être pas Cult of Personality, pourtant devenu leur morceau emblématique, mais la manière dont le groupe a réussi à transformer tout ce qui l'entourait en matière première. À la fin des années 80, alors que chacun semblait encore devoir choisir son rayon dans le grand supermarché des genres musicaux, Living Colour avait simplement décidé de prendre le chariot entier.
Le single de Metro
Ici, on pourra télécharger en mp3 le maxi-single 3 titres des espagnols de Metro sorti en 1984 !
The Dance All Of The Dead
Nouvel extrait du long des David Vincent : "Ourouni" sorti chez New Rose en 1990 !
Carol
Il n’y a presque rien à raconter sur Carol, et c’est probablement ce qui rend ce 45 tours aussi intriguant. En 1981 ou 1982 selon les sources, un disque apparaît en Belgique avec deux titres, « Breakdown » et « So Low ». Pas de biographie détaillée, pas de carrière discographique à rallonge, pas de photos permettant vraiment de mettre un visage sur le nom. Juste ces deux morceaux et une atmosphère particulièrement étrange.
Derrière Carol se trouve notamment Micky Mike, pseudonyme de Marcel Thiel, musicien de l’underground belge qui deviendra plus tard beaucoup plus connu sous le nom de Snowy Red. Ici, il délaisse en partie l’énergie punk pour bricoler une musique électronique minimale, froide et dépouillée. Carol assure le chant tandis que Micky Mike s’occupe des machines. Le résultat tient davantage de l’expérimentation que de la chanson pop traditionnelle.
« Breakdown », placé en face A, repose sur une rythmique sèche et une électronique rudimentaire, avec cette sensation très particulière des premiers enregistrements minimal synth : peu de moyens, peu d’éléments, mais suffisamment d’espace entre eux pour que chaque son prenne de l’importance. « So Low », en face B, pousse encore plus loin cette économie de moyens. Le morceau est plus lent, plus sombre, presque immobile, et la voix de Carol semble flotter au-dessus d’une mécanique électronique réduite à l’essentiel.
Le disque appartient à cette période fascinante où certains musiciens issus du punk et de la new wave commencent à utiliser les synthétiseurs, les boîtes à rythmes et les premiers équipements électroniques accessibles pour fabriquer une musique qui ne ressemble pas encore vraiment à ce que l’on appellera plus tard le minimal synth. En Belgique, cette scène va progressivement devenir particulièrement active, mais Carol reste un projet à part, pratiquement sans lendemain.
C’est surtout « So Low » qui va finir par attirer l’attention des collectionneurs et des amateurs de musiques électroniques obscures. Le morceau réapparaît au fil des années dans des sélections consacrées à la cold wave et au minimal synth, tandis que le 45 tours original devient difficile à trouver. Le peu d’informations disponibles autour de Carol ne fait qu’ajouter au charme de l’affaire : qui était réellement Carol, comment le projet est-il né et pourquoi s’est-il arrêté après ces deux titres ? Les réponses restent difficiles à trouver.
Il faudra attendre 2016 pour que Weyrd Son Records, label bruxellois particulièrement attentif aux recoins oubliés de la musique électronique belge, réédite « Breakdown / So Low ». Plus de trente ans après sa sortie supposée, le disque peut enfin être redécouvert par un nouveau public.
Carol fait ainsi partie de ces petits objets musicaux qui semblent avoir été enregistrés presque en dehors de leur époque. Deux morceaux, une poignée de musiciens, très peu d’informations et une musique qui, plusieurs décennies plus tard, continue de sonner aussi dépouillée qu’étrange. Dans le grand inventaire de l’underground belge du début des années 80, « Breakdown / So Low » est une petite anomalie. Et comme souvent avec les anomalies, on a davantage envie de l’écouter que de chercher à tout expliquer.
Dans La Nuit
Voici l'autre face du single de Après Demain qui comme son nom ne l'indique pas vient de la Finlande. Ce single sorti en 1983 est une franche réussite.
Das Kabinette
En 1983, trois étudiants du Blackpool Art College réunis sous le nom de Das Kabinette publient un étrange 45 tours qui semble tout droit sorti d'un autre temps. « The Cabinet » n'est pourtant pas un disque oublié parmi tant d'autres : avec sa boîte à rythmes sèche, ses synthétiseurs, ses guitares et son atmosphère inquiétante, le morceau possède cette drôle de capacité à paraître à la fois très daté et étonnamment moderne.
L'histoire de Das Kabinette commence quelques années plus tôt, en 1981, à Blackpool. Michael Hall, David Bracher et Craig Hemmings étudient alors tous les trois au Blackpool Art College. Ils partagent un appartement étudiant qui devient rapidement leur laboratoire musical. Pas besoin d'un véritable studio : quelques synthétiseurs, des guitares, une boîte à rythmes et du matériel d'enregistrement suffisent pour commencer à bricoler une musique qui navigue entre post-punk, new wave, minimal synth et rock électronique.
Michael Hall assure le chant et les synthétiseurs, David Bracher joue de la guitare et de la basse tandis que Craig Hemmings participe aux parties électroniques. Leur musique doit beaucoup à l'esthétique et à l'imaginaire du cinéma expressionniste allemand. Le nom Das Kabinette fait évidemment référence au « Cabinet du docteur Caligari », le film réalisé par Robert Wiene en 1920, et c'est précisément cet univers qui va servir de point de départ à leur morceau le plus connu.
« The Cabinet » raconte à sa manière l'histoire de Caligari et de Cesare, son mystérieux somnambule. Musicalement, le morceau n'a pourtant rien d'une reconstitution de musique de film muet. La boîte à rythmes donne une pulsation mécanique, les synthétiseurs installent une ambiance froide et les guitares apportent une dimension plus rock. Le résultat se situe quelque part entre minimal wave, post-punk et synth-pop primitive, avec cette économie de moyens qui caractérise une bonne partie des productions indépendantes britanniques du début des années 1980.
Le single est enregistré en 1983 au Sunset Sound Studios avec « Fudge It » sur la face B. Ce dernier est en fait une nouvelle version du morceau. Das Kabinette choisit de ne pas passer par une maison de disques et publie le 45 tours sur son propre label, Klosette Records. Environ 500 exemplaires sont pressés. David Bracher réalise la pochette, tandis que sa femme Sara apparaît sur la photographie dans le rôle de Jane. Michael Hall y incarne Cesare. Le groupe se charge pratiquement de tout, jusqu'au pressage des disques.
Avec un tirage aussi limité, le disque aurait pu rester un simple souvenir de quelques étudiants de Blackpool. Pourtant, « The Cabinet » connaît une petite vie radiophonique et passe notamment sur BBC Radio 1. Le morceau circule suffisamment pour acquérir une réputation de titre culte auprès des amateurs de musiques électroniques et de post-punk les plus curieux.
Das Kabinette poursuit ses activités pendant quelques années et enregistre d'autres morceaux, mais le groupe reste une affaire relativement confidentielle. Il faudra attendre beaucoup plus tard pour que son histoire intéresse à nouveau les collectionneurs et les amateurs de minimal wave. En 2008, le label Minimal Wave retrouve le groupe et publie Spy Thriller, une compilation qui rassemble les deux titres du 45 tours ainsi qu'une série d'enregistrements restés inédits. On y découvre notamment « Passionkiller », « Something's On Your Mind », « Next In Line », « The Evil Of His Kiss » ou encore « Spy Thriller », qui permettent de constater que Das Kabinette ne se résumait pas à son morceau le plus célèbre.
« The Cabinet » réapparaît également en 2010 sur The Minimal Wave Tapes: Volume 1, compilation consacrée aux productions électroniques obscures des années 1970 et 1980. Ce qui n'était à l'origine qu'un petit 45 tours autoproduit à 500 exemplaires se retrouve ainsi présenté à une nouvelle génération d'auditeurs.
Il y a quelque chose d'assez logique dans cette trajectoire. Das Kabinette était précisément le genre de groupe que les années 1980 pouvaient facilement laisser derrière elles : trois étudiants d'une école d'art, quelques machines, un goût pour les films expressionnistes et un disque fabriqué presque entièrement par eux-mêmes. « The Cabinet » n'avait pas besoin de beaucoup plus pour exister.
Aujourd'hui, le morceau conserve une efficacité assez particulière. Sa production minimale, sa boîte à rythmes sans fioritures et ses synthétiseurs ont évidemment pris quelques rides, mais l'ensemble garde une vraie étrangeté. Et c'est peut-être ce qui fait encore son intérêt : trois étudiants de Blackpool qui, au début des années 1980, décident de transformer le docteur Caligari en morceau de post-punk électronique. Pour un 45 tours pressé à 500 exemplaires, ce n'est déjà pas si mal.
Après Demain
Après Demain se forme en 1981 à Oulu, dans le nord de la Finlande. Le groupe ne publiera qu’un disque avant de disparaître, mais ce disque suffit à rendre son passage dans la scène underground finlandaise particulièrement intéressant.
Après Demain est né dans le petit milieu punk et alternatif d’Oulu. Jukka Kangas et le premier batteur Jari « Löllö » Lehtonen avaient auparavant joué dans Raaka Voima, l’un des premiers groupes punk de la ville, tandis que plusieurs futurs membres avaient également participé à Xböö, formation plus expérimentale. Le groupe réunit alors Päivi Marlene au chant, Jukka Kangas à la guitare, Jarno Mällinen à l’orgue, Jyrki Raatikainen à la batterie et Jukka Turunen à la basse.
Le nom du groupe est français. Jukka Turunen l’aurait trouvé dans un dictionnaire, à une époque où ses goûts l’amenaient notamment vers l’existentialisme français, la poésie belge et Bryan Ferry. Les influences musicales d’Après Demain sont cependant nettement plus larges : Iggy Pop, Joy Division, Roxy Music et le Velvet Underground côtoient le funk, la soul et les musiques issues de la no wave.
Cette combinaison donne au groupe une personnalité assez singulière. « Arpakuutio », leur morceau le plus connu, avance sur une rythmique sèche et nerveuse, accompagnée par un orgue répétitif et un chant qui tient parfois davantage de la déclamation que de la chanson traditionnelle. Le morceau possède quelque chose de froid et de mécanique, alors même que le groupe n’est pas constitué autour d’une instrumentation électronique. Le producteur Jimi Sumén souhaitait au départ orienter Après Demain vers un son influencé par le funk de Nile Rodgers. La production finit pourtant par prendre une direction beaucoup plus anguleuse, en phase avec les sonorités new wave et post-punk du début des années 80.
Le seul 45 tours du groupe paraît finalement en 1983 chez Johanna, sous la référence JHNS 542. « Arpakuutio » occupe la face A, tandis que « Dans la nuit » figure au verso. Le contraste entre les deux titres est déjà assez amusant : le premier porte un titre finnois, le second un titre français. « Dans la nuit » confirme d’ailleurs l'attachement assez particulier du groupe à la langue française et propose une ambiance plus nocturne et détachée, portée par la voix très particulière de Päivi Marlene.
Avant d'en arriver à ce 45 tours, Après Demain avait enregistré plusieurs morceaux destinés à un EP de quatre titres baptisé Passages. Le projet ne verra finalement pas le jour chez Mirror, mais une démo diffusée à la radio attire l’attention du label Johanna, qui décide de publier le single. La carrière du groupe sera pourtant extrêmement courte. Après la sortie du disque, Après Demain ne donnera que deux concerts, l’un à Oulu et l’autre à Helsinki. Päivi Marlene finit par se lasser de l’aventure et le groupe se sépare.
L’histoire aurait pu s’arrêter là, comme celle de nombreux groupes obscurs ayant publié un unique 45 tours au début des années 80. Mais plusieurs membres d’Après Demain poursuivront ensuite leur route dans la scène alternative finlandaise. Jarno Mällinen, Jyrki Raatikainen et Jukka Kangas joueront notamment dans Kansanturvamusiikkikomissio puis dans Radiopuhelimet, tandis que Jukka Turunen deviendra l’un des membres fondateurs d’Electric Blue Peggy Sue and the Revolutionions from Mars.
Reste ce petit 45 tours de 1983, témoignage d’une scène d’Oulu qui ne demandait manifestement qu’à sortir de son isolement. « Arpakuutio » et « Dans la nuit » n’ont pas grand-chose d’un disque parfaitement formaté pour les radios de l’époque. On y trouve au contraire cette curieuse collision entre punk, post-punk, funk, new wave et chanson française qui rend les productions underground du début des années 80 aussi imprévisibles. Après Demain aura existé à peine deux ans, n’aura joué que deux fois après la sortie de son disque et aura laissé derrière lui un seul 45 tours. Finalement, c’était peut-être largement suffisant.
Loquillo dans Nineteen n°12 (Octobre 1984)
On connait mon amour inconditionnel pour l'espingouin Loquillo. Cet article explique parfaitement bien ce qui rend Loquillo unique depuis ses débuts. Car malgré une très grand ouverture d'esprit (qui lui permettra de faire - entre autre - du rockab' roots ou du punk mettaleux) Loquillo est un vrai rocker. Et dans son cas, ce n'est pas une posture !
Listen To Him
Voici le flip side de l'unique single des Pop Models sorti en 1984, voici le très bon : "Listen To Him (Baby She Loves You)".
Patriote
3e sélection extraite de l'e.p. des suisses de Nilp, voici "Patriote" en français dans le texte !
The Pop Models
En 1984, à Nantes, un groupe décide de changer de nom pour un 45 tours. Pas vraiment de quoi bouleverser l’histoire du rock français, sauf que derrière The Pop Models se cachent les musiciens de Ticket, une formation qui, depuis la fin des années 70, fait partie de cette nébuleuse nantaise où se croisent power pop, rock, mod et new wave. Le disque s’appelle « King Of Love » et, sous ses airs de petite production oubliée, il raconte finalement pas mal de choses sur cette scène.
Ticket s’était formé à Nantes en 1979 et avait déjà quelques 45 tours à son actif lorsque apparaît le nom de The Pop Models. L’expérience ne durera pas bien longtemps puisque « King Of Love » semble être l’unique disque publié sous cette appellation. Une parenthèse dans l’histoire de Ticket, donc, mais une parenthèse suffisamment particulière pour mériter qu’on s’y arrête.
Musicalement, on reste dans le territoire de la power pop, avec cette façon bien particulière de transformer l’énergie du rock en chansons courtes, mélodiques et immédiatement efficaces. Mais The Pop Models accentue le côté pop et mod de Ticket, notamment avec la présence de chœurs féminins. Les « Gaufrettes », deux choristes, viennent ainsi compléter la formation, donnant au morceau une couleur qui le distingue des productions précédentes du groupe.
Le disque paraît sur Surfin' Bird Records, petit label nantais qui s’intéresse alors à cette scène locale et publie en 1985 l’album de Ticket. « King Of Love » porte le numéro BIRD 0003 et constitue aujourd’hui l’un de ces 45 tours dont l’existence est relativement facile à retrouver dans les discographies, mais beaucoup moins facile à vérifier en posant réellement le disque sur une platine.
Derrière la production, on retrouve Jean-William Thoury, figure bien connue du rock français, notamment pour son travail avec Bijou. Thoury accompagne alors plusieurs groupes de cette génération et son nom apparaît également sur l’album de Ticket publié l’année suivante. L’association avec The Pop Models n’est donc pas vraiment un hasard : la petite scène power pop française du début des années 80 fonctionne encore beaucoup par réseaux, rencontres et labels minuscules.
Et puis il y a les musiciens. Parmi eux, Luc Boisseau, qui poursuivra ensuite son parcours avec les Bookmakers avant de rejoindre Elmer Food Beat. Le futur d’une partie de la scène nantaise se trouve donc déjà en filigrane sur ce petit 45 tours de 1984. Quelques années plus tard, certains de ces musiciens connaîtront une tout autre exposition avec Elmer Food Beat, mais « King Of Love » appartient à une époque où les groupes peuvent encore sortir un disque confidentiel sur un petit label, jouer dans le circuit local et disparaître presque aussitôt des radars.
C’est probablement ce qui rend The Pop Models intéressant aujourd’hui. Le groupe n’a pas laissé une discographie abondante, ni une longue carrière sous ce nom. Un seul 45 tours et puis retour à Ticket. Pas de quoi remplir une étagère, mais largement assez pour intéresser ceux qui aiment fouiller dans les marges de l’histoire du rock français.
« King Of Love » est surtout un petit témoignage de la scène nantaise du début des années 80, à une époque où le punk avait déjà fait exploser les codes et où la power pop, le mod revival et la new wave alimentaient quantité de groupes français. Nantes n’était évidemment pas en reste. Ticket, The Pop Models, les Bookmakers et, un peu plus tard, Elmer Food Beat appartiennent à cette même histoire locale, avec des passerelles entre les groupes et les musiciens.
The Pop Models aura donc eu une existence aussi brève que son nom était ambitieux. Un « King Of Love », deux faces de vinyle, quelques musiciens nantais et un label confidentiel. Puis le nom disparaît. Reste ce drôle de 45 tours, suffisamment rare pour intriguer les collectionneurs et suffisamment bon pour rappeler qu’entre deux groupes connus, il existe toujours quelques disques qui n’ont jamais vraiment demandé leur avis à l’histoire.
Et parfois, c’est précisément pour ça qu’on a envie de les écouter.
Wuet
Je me suis demandé ce que voulait dire "Wuet" mais je n'ai pas vraiment trouvé de traduction. Etrange. Voici une 3e sélection extraite de l'e.p. de Nilp sorti en 1982.
Love Me Tendre
Toujours sympa une bonne reprise du king en mode rock français. Raff ne s'est pas démonté avec son adaptation très personnelle du tube inoxydable : "Love Me Tender". Un grand moment de cet album sorti en 1986.
Les Armées De Demain
Voici l'autre face du single de Plaisir Solitaire. Une chanson au titre proche de l'univers de Taxi Girl. La voix me rappelle un peu celle de Franck dans Cérémonies.
Kleptoman
Voici, sans doute, la chanson la plus connue de Nilp qui figure sur "Definitiv Zürich 1976–1986".
Nilp
Nilp est un groupe de rock suisse originaire de Zurich, formé à la fin des années 1970 autour de Boni Koller. Resté relativement discret en dehors de la Suisse, le groupe laisse pourtant deux excellents 7 pouces publiés en 1982, aujourd'hui recherchés par les amateurs de punk et de rock indépendant helvétique. Ces deux disques témoignent d'une scène zurichoise particulièrement inventive où l'autoproduction tenait davantage de la nécessité que de la stratégie.
Le groupe est fondé en 1978 par Boni Koller, alors âgé de seulement 17 ans. Quelques années plus tard, il deviendra une figure importante de la musique suisse avec Baby Jail, mais Nilp constitue sa toute première véritable aventure musicale. À ses débuts, le groupe répète avec un matériel de récupération et notamment un amplificateur provenant d'un ancien duo de musique de divertissement. Avec ses quatre entrées, il doit accueillir à la fois les micros, la guitare et l'orgue Farfisa. Une installation rudimentaire qui résume assez bien l'esprit des débuts de Nilp.
Le groupe commence par jouer dans des fêtes scolaires avant de se produire dans différents lieux alternatifs de Zurich et de sa région, notamment à la célèbre Rote Fabrik. Nous sommes alors en pleine effervescence de la scène punk suisse. Des groupes comme Kleenex, Nasal Boys, Sperma ou Hertz inventent une identité propre, souvent éloignée des modèles britanniques, avec une forte culture locale et une grande liberté dans la manière d'aborder le rock.
Nilp s'inscrit pleinement dans ce mouvement tout en développant une personnalité assez singulière. Leur musique est généralement décrite comme un mélange de punk, de rock minimal et de cabaret, avec une bonne dose d'humour et des textes interprétés en suisse allemand, plus précisément dans le dialecte zurichois. Cette utilisation de la langue locale donne au groupe une couleur très particulière, loin des clichés du punk anglo-saxon.
Le premier disque, Gift, est enregistré le 1er décembre 1981 avant de paraître en 1982 sous la forme d'un 7 pouces autoproduit. Il contient quatre morceaux : « Gift », « Wuet », « Patriote » et « Schaffe ». Le pressage est limité à 500 exemplaires. Faute d'argent pour faire imprimer de véritables pochettes, les membres du groupe achètent simplement des pochettes blanches qu'ils peignent eux-mêmes. Chaque exemplaire possède donc sa propre décoration et devient pratiquement unique. Cette fabrication artisanale fait aujourd'hui partie du charme de ce disque devenu emblématique de l'esprit DIY de la scène suisse.
Quelques mois plus tard paraît Mode, second 7 pouces du groupe. Celui-ci contient cinq titres : « Tuntschi », « Schponti », « Klöti », « Mode » et « Nilpferd ». Le disque sort sur Nilpferd Records, le propre label du groupe. Si Gift respirait encore l'urgence des débuts, Mode montre déjà une formation plus affirmée, toujours fidèle à cette alliance entre énergie punk, claviers Farfisa et sens du décalage qui caractérise Nilp.
L'histoire de ce deuxième disque possède elle aussi son anecdote. Les vinyles sont fabriqués en Italie puis ramenés en Suisse par les membres du groupe eux-mêmes. Les pochettes transparentes accueillent des feuilles photocopiées contenant les paroles. Malheureusement, avec le temps, l'encre de certaines photocopies finit par adhérer directement au vinyle, provoquant parfois des dégâts irréversibles sur les disques. Une erreur de fabrication que Boni Koller évoquera plus tard avec beaucoup d'autodérision.
Nilp poursuit son activité jusqu'en 1983 avant de se séparer. Peu avant la fin du groupe, une session est enregistrée dans les studios de la radio suisse DRS2, d'où est issu le morceau « Kleptoman ». Cette chanson sera finalement publiée en 1986 sur la compilation Definitiv Zürich 1976–1986, un disque essentiel consacré à la scène underground zurichoise et sur lequel Nilp côtoie des artistes comme Kleenex, Liliput, Yello, Sperma, Putsch, Platza ou encore Stephan Eicher.
Après Nilp, Boni Koller poursuivra sa route avec Baby Jail, groupe qui connaîtra un succès bien plus important durant les années 1980 et 1990. On retrouve pourtant déjà dans Nilp plusieurs éléments qui feront la personnalité de ses projets suivants : le goût pour les mélodies simples, l'humour, l'observation du quotidien et cette manière très suisse de faire cohabiter rock, chanson populaire et irrévérence.
Avec seulement deux disques publiés en 1982, Nilp n'aura laissé qu'une petite discographie. Mais ces deux 7 pouces racontent parfaitement une époque où quelques musiciens, beaucoup d'envie et une poignée de moyens suffisaient pour fabriquer des disques devenus, quarante ans plus tard, de véritables témoins de la richesse de la scène punk suisse.
Le rock français des années 80 et l'approche "Do It Yourself"
Il m'arrive parfois d'utiliser une IA pour m'aider à rédiger des contenus. L'IA est également un précieux outil pour faire des recherches. Bref, j'utilise les outils d'aujourd'hui, histoire, également, d'aller plus vite. Croyez-moi une trentaine de posts par mois depuis 10 ans, c'est beaucoup. Anyway, j'ai testé une nouvelle ia développée par Stanford (mes chouchoux inventeurs du Design Thinking). Un truc qui s'appelle Storm. Et voici le résultat, plutôt cool. J'ai traduis et retravaillé. J'ai laissé certaines ref' (Magma, wtf ?). Au final, on dirait l'ébauche d'une thèse.
Dans
les années 1980, alors que le paysage musical français reste largement dominé
par les grandes maisons de disques, les radios nationales et quelques figures
incontournables de la variété ou du rock grand public, une autre scène se
développe dans l'ombre. Dispersée sur l'ensemble du territoire, portée par des
passionnés davantage que par des professionnels de l'industrie, elle s'organise
autour d'un principe simple : faire soi-même. Inspirée par l'explosion punk
britannique de la fin des années 1970, par le hardcore américain naissant et
par l'ensemble des cultures underground européennes, cette scène adopte ce que
l'on appelle alors le « Do It Yourself
» ou DIY.
Plus qu'une méthode de travail,
il s'agit d'une véritable philosophie fondée sur l'autonomie, l'expérimentation et le refus des
modèles dominants.
Le
DIY français ne se résume pas à quelques groupes isolés enregistrant des démos
dans leur garage. Il constitue un écosystème complet où les musiciens, les
graphistes, les rédacteurs de fanzines, les organisateurs de concerts, les
disquaires indépendants et le public participent à la construction d'un réseau
alternatif. Dans une époque où les moyens de communication sont limités, chacun
devient un maillon essentiel de la chaîne. Les groupes produisent leurs enregistrements, organisent leurs tournées, réalisent parfois leurs propres pochettes et développent des circuits de diffusion parallèles à ceux de
l'industrie musicale classique.
Cette
culture indépendante s'appuie sur un outil fondamental : le fanzine. À l'heure
où Internet n'existe pas encore, ces publications artisanales deviennent le
principal moyen de communication de la scène. Réalisés avec des machines à
écrire, des photocopieuses, des ciseaux et de la colle, les fanzines diffusent
des chroniques de disques, des interviews, des comptes rendus de concerts, des
manifestes, des dessins et des adresses de groupes ou de labels. Ils permettent
à des passionnés de Brest, de Toulouse ou de Strasbourg d'échanger avec des
scènes situées à des centaines de kilomètres. Plus qu'un simple média, le
fanzine agit comme un véritable réseau social avant l'heure. Il crée des liens,
fait circuler les informations et contribue à la naissance
d'une identité commune au sein
d'une communauté pourtant dispersée géographiquement.
L'importance
de cette culture est telle qu'elle dépasse rapidement le cadre de la musique.
Les fanzines deviennent également des espaces de création graphique, de
réflexion politique et de diffusion artistique. Nombre de graphistes,
illustrateurs et photographes issus de la scène underground y développent leurs
premiers travaux. L'esthétique du collage, du détournement d'images, de la photocopie
noir et blanc et de
la sérigraphie artisanale devient l'un des signes
distinctifs de cette génération.
Contrairement
à ce que l'on pourrait imaginer, la scène DIY française ne se concentre pas
exclusivement à Paris. Si la capitale joue un rôle majeur grâce à la présence
de salles de concert, de médias spécialisés et de certains labels, la province
constitue un terrain particulièrement fertile. Bordeaux, Rennes, Toulouse,
Marseille, Lille, Lyon ou encore Rouen développent leurs propres réseaux de
groupes, de lieux et de collectifs. Les tournées passent souvent par ces villes
où l'accueil est assuré par d'autres membres de la scène. Les musiciens sont
hébergés chez l'habitant, jouent dans des salles associatives ou des lieux
improvisés et repartent avec de nouvelles
adresses pour poursuivre leur route. Cette organisation horizontale favorise les échanges et renforce le sentiment d'appartenance à une même
communauté malgré les distances.
Les
modes de production reflètent cette volonté d'autonomie. Les groupes
privilégient les petits studios indépendants ou les enregistrements à faible
coût. Les tirages sont souvent modestes, parfois limités à quelques centaines
d'exemplaires. Les cassettes audio deviennent un support privilégié, car elles
permettent une reproduction rapide et peu coûteuse. De nombreux albums, EP ou
compilations circulent ainsi sous le
manteau, vendus lors des concerts,
envoyés par correspondance ou distribués dans quelques disquaires spécialisés. L'objectif n'est pas de
conquérir les hit-parades mais de toucher un
public réceptif à cette culture
indépendante.
Les
labels jouent un rôle déterminant dans ce système. Souvent créés par des
passionnés plutôt que par des entrepreneurs, ils servent à documenter une scène
en pleine effervescence et à faire circuler des musiques que l'industrie
ignore. Certains entretiennent même des liens avec d'autres réseaux européens
ou américains, permettant l'importation et l'exportation de disques au sein
d'un vaste circuit souterrain. À travers ces connexions se construit progressivement une culture internationale de l'indépendance où un groupe
français peut partager les mêmes références et les mêmes
pratiques qu'un groupe allemand, britannique ou américain.
Musicalement,
la diversité est l'une des caractéristiques majeures de cette scène. Le punk
demeure son point de départ naturel, mais ses ramifications sont nombreuses. Le
hardcore se développe avec son énergie brutale et sa vitesse d'exécution. Le
post-punk explore des atmosphères plus sombres et expérimentales. La new wave
et la cold wave introduisent les premières influences électroniques et les
synthétiseurs. La noise, le rock expérimental et certaines formes
avant-gardistes trouvent également leur place dans cet environnement où la prise de risque
est valorisée. Loin des catégories
rigides, les groupes mélangent souvent les influences et développent des approches très personnelles.
Parmi
les figures emblématiques de cette période apparaissent des groupes comme Metal
Urbain, dont l'utilisation précoce des boîtes à rythmes et des sonorités
électroniques ouvre de nouvelles perspectives au punk français. Stinky Toys et
Marie et les Garçons participent eux aussi aux prémices de cette culture
indépendante. Dans un registre plus radical, Camera Silens devient l'une des
formations marquantes de la scène Oi! française. D'autres groupes comme Etron
Fou Leloublan repoussent les limites du rock en intégrant des éléments issus de
l'improvisation et de l'avant-garde. Quant à Magma, même si son parcours
dépasse largement le cadre du DIY punk, son influence sur les musiciens attirés
par l'expérimentation reste considérable. À la fin des années 1980 et au début
des années 1990, des groupes comme Diabologum hériteront
de cette tradition de liberté artistique en développant des formes hybrides
mêlant rock, spoken word et collages sonores.
Les
concerts constituent le cœur battant de cette
culture. Installés dans des squats, des MJC, des centres culturels alternatifs
ou de petites salles indépendantes, ils offrent bien plus qu'une simple
expérience musicale. Ils deviennent des lieux de rencontre, d'échange et
parfois de militantisme. Dans ces espaces, la frontière entre le groupe et le
public est souvent mince. Les artistes discutent avec les spectateurs, vendent
eux-mêmes leurs disques et participent à l'organisation des événements. Cette proximité contribue à créer un sentiment
d'appartenance rarement retrouvé dans les circuits commerciaux.
L'univers
visuel participe lui aussi à l'identité de la scène. Les affiches, les
pochettes de disques, les logos et les illustrations ne sont pas conçus comme
de simples outils promotionnels mais comme une extension de la démarche
artistique. Les collaborations entre musiciens et artistes graphiques sont
fréquentes, renforçant les liens entre différentes disciplines créatives. Cette approche globale contribue à donner au
DIY français une identité forte et immédiatement
reconnaissable.
Au-delà
de la musique, cette scène entretient une relation complexe avec les
institutions culturelles françaises. Les années 1980 correspondent à une
période d'importants investissements publics dans le domaine culturel.
Pourtant, de nombreux acteurs du DIY préfèrent rester à distance des structures
officielles, considérant que l'indépendance constitue une condition essentielle
de leur liberté créative. Cette tension
entre culture institutionnelle et culture underground traverse toute la décennie et nourrit des
débats sur l'authenticité, la récupération commerciale et le rôle
de l'État dans la création
artistique.
Avec
le recul, le rock DIY français des années 1980 apparaît comme bien plus qu'un
simple courant musical. Il représente l'émergence d'un modèle alternatif de
production culturelle fondé sur l'entraide, l'autonomie et la circulation des
savoirs. Dans un contexte où les moyens étaient limités, des centaines de
groupes, de labels, de fanzines et de lieux indépendants ont réussi à bâtir un
réseau durable qui a profondément marqué l'histoire de la musique française.
L'influence de cette période se fait encore sentir aujourd'hui dans les labels
indépendants, les collectifs
artistiques, les salles autogérées, les festivals alternatifs et l'ensemble des scènes qui continuent
à défendre l'idée selon laquelle la création peut exister en dehors
des structures dominantes. Plus qu'une mode ou qu'une esthétique,
le DIY des années 1980
a légué une manière de penser la
musique : libre, collective et profondément indépendante.
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